KISS - Biografía y discografía comentadas: 50 años de rock y espectáculo

 

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KISS: El espectáculo masivo y la teatralidad como marca de fábrica

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La Épica de KISS: 50 años de Rock y Espectáculo

Una Biografía Cronológica y Analítica de KISS

"Queríais lo mejor, tenéis lo mejor. ¡La banda más caliente del mundo: KISS!". Esta frase, ruge al comienzo de sus conciertos, no es solo una introducción; es una declaración de principios que ha perdurado por medio siglo. KISS no es solo una banda de rock; es un fenómeno cultural, una marca global y una de las fuerzas más influyentes en la historia del espectáculo en vivo. A continuación, desglosamos su historia épica, desde los lofts fríos de Nueva York hasta los estadios más grandes del planeta.

Parte I: Génesis y Construcción del Mito (1970–1973)

De las Cenizas de Wicked Lester

La historia de KISS comienza con el fracaso. A principios de la década de 1970, Gene Simmons (nacido Chaim Witz) y Paul Stanley (nacido Stanley Eisen) formaban parte de una banda llamada Wicked Lester. El grupo tocaba una mezcla ecléctica de rock, folk y pop que carecía de una identidad definida. Aunque lograron grabar un álbum para Epic Records, este nunca fue lanzado y la banda se desmoronó.

Sin embargo, Simmons y Stanley compartían una visión y una ética de trabajo inquebrantable. Entendieron que para triunfar en la saturada escena de Nueva York, necesitaban algo más que música; necesitaban una identidad visual y sonora agresiva.

La Formación del Cuarteto

A finales de 1972, Gene y Paul encontraron a un baterista llamado Peter Crisscoula (Peter Criss) a través de un anuncio en la revista Rolling Stone que decía: "Baterista dispuesto a hacer cualquier cosa para triunfar". Criss aportó un estilo de jazz y R&B, pero con una pegada de rock duro.

Poco después, organizaron audiciones para un guitarrista líder. Paul "Ace" Frehley llegó a la audición usando dos zapatos de diferentes colores y enchufó su guitarra sin decir palabra. En el momento en que comenzó a tocar, la química fue innegable. En enero de 1973, la alineación clásica estaba completa.

El Concepto y el Maquillaje

Influenciados por la teatralidad de Alice Cooper y la escena glam rock de los New York Dolls, pero rechazando la androginia de estos últimos, la banda optó por una imagen más oscura y heroica inspirada en los cómics y las películas de terror.

Cada miembro adoptó un alter ego que reflejaba su personalidad:

• Gene Simmons (The Demon): El monstruo cínico y oscuro.
• Paul Stanley (The Starchild): El romántico, el líder y la estrella.
• Ace Frehley (The Spaceman): El enigmático viajero intergaláctico.
• Peter Criss (The Catman): El superviviente callejero con siete vidas.

Contexto Histórico

A principios de los 70, Estados Unidos salía de la guerra de Vietnam y el sueño hippie de los 60 se había desvanecido. La escena musical se dividía entre el rock progresivo intelectual y el folk introspectivo. KISS surgió como una respuesta visceral a esto: ofrecían escapismo puro, ruido y espectáculo en una Nueva York económicamente deprimida y peligrosa. No querían salvar el mundo; querían que el público olvidara sus problemas durante dos horas.

Parte II: La Lucha y el Estallido (1974–1975)

ABC In Concert 29 Marzo 1974

Melting Winterland, KISS Alive in San Francisco 1975

Los Primeros Álbumes y la Disonancia

Bajo la tutela de su mánager Bill Aucoin y firmando con la recién creada Casablanca Records de Neil Bogart, KISS lanzó su álbum homónimo en febrero de 1974. Aunque contenía clásicos futuros como "Strutter", "Deuce" y "Black Diamond", el disco no vendió bien.

Lanzaron rápidamente Hotter Than Hell (1974) y Dressed to Kill (1975). A pesar de contener el himno "Rock and Roll All Nite", las ventas seguían siendo tibias. Había una desconexión fundamental: en vivo, KISS era una fuerza de la naturaleza, con fuego, sangre y pirotecnia; pero en el estudio, sonaban delgados y secos.

El Salvador: Alive!

En 1975, Casablanca Records estaba al borde de la bancarrota. En un último esfuerzo desesperado, decidieron capturar la energía de sus conciertos en un doble vinilo. Alive! (1975) no solo salvó a la discográfica y a la banda, sino que cambió la industria musical. El álbum capturó la ferocidad del grupo y la histeria del público. "Rock and Roll All Nite" en su versión en vivo se convirtió en un éxito masivo, catapultando a KISS al estrellato.

Parte III: El Imperio y el Exceso (1976–1978)

Live In Houston TX 1976 Destroyer Tour

La Era de Destroyer y la Cima del Mundo

Con el éxito llegaron los recursos. Para su siguiente álbum, Destroyer (1976), contrataron al productor Bob Ezrin. El sonido se volvió más complejo, orquestal y pulido. La balada "Beth", cantada por Peter Criss, se convirtió en su mayor éxito en las listas, abriendo la banda a un público masivo que incluía adolescentes y amas de casa.

 

Entre 1976 y 1978, KISS fue la banda más popular de Estados Unidos. Lanzaron Rock and Roll Over y Love Gun, consolidando su sonido. Sus espectáculos en vivo se volvieron faraónicos, con escenarios levadizos y cantidades industriales de pirotecnia.

The Summit, Houston (USA,TX) 02 Septiembre 1977

La Maquinaria de Merchandising

Aquí es donde KISS revolucionó el negocio. Gene Simmons impulsó la idea de que KISS no era solo música, sino una marca. Loncheras, cómics de Marvel (impresos con sangre real de la banda), muñecos, maquillaje y hasta una película para televisión (KISS Meets the Phantom of the Park). Se convirtieron en superhéroes de la vida real para millones de niños y adolescentes, creando la "KISS Army".

Los Primeros Grietas

El éxito trajo excesos. Mientras Gene y Paul se mantenían sobrios y enfocados en el negocio, Ace y Peter caían profundamente en el abuso de sustancias. Para evitar una ruptura, en 1978 decidieron lanzar cuatro álbumes solistas simultáneamente, una maniobra comercial sin precedentes que, aunque exitosa comercialmente (todos fueron platino), mostró la fragmentación creativa del grupo.

Alright, Largo! Alive Maryland 1977

Parte IV: Caída, Desenmascaramiento y Resurrección (1979–1989)

Entrevista - The Tom Snyder Show 31 Octubre 1979

La Era Disco y la Salida de los Miembros Originales

En 1979, lanzan Dynasty. El sencillo "I Was Made for Lovin' You" fue un éxito mundial, pero su ritmo disco alienó a su base de fans rockeros. Las tensiones internas eran insostenibles. Peter Criss, apenas capaz de tocar, fue despedido (aunque oficialmente "se fue") en 1980. Fue reemplazado por Eric Carr (The Fox), un baterista poderoso y humilde que revitalizó el sonido de la banda.

Sin embargo, la popularidad de la banda en EE. UU. se desplomó. Ace Frehley, frustrado por la dirección musical (especialmente tras el fracaso conceptual del álbum Music from "The Elder" en 1981), abandonó el grupo en 1982.

Lick It Up: El Rostro al Descubierto

En 1983, con la carrera en peligro, KISS tomó una decisión radical: quitarse el maquillaje. Aparecieron en MTV con la cara lavada para promocionar el álbum Lick It Up. La apuesta funcionó. El público vio que detrás de las máscaras había una banda de rock competente capaz de adaptarse a la era del Glam Metal de los 80.

Live In Sydney - Noviembre 1980

La Era del "Hair Metal"

Durante el resto de la década, con el guitarrista Bruce Kulick (quien aportó estabilidad tras el breve paso de Vinnie Vincent y Mark St. John), KISS disfrutó de un renacimiento comercial. Álbumes como Animalize, Asylum y Crazy Nights los mantuvieron en las listas y en rotación constante en MTV, compitiendo con bandas que ellos mismos habían influenciado, como Mötley Crüe y Bon Jovi.

 

Parte V: Tragedia, Nostalgia y Permanencia (1990–Presente)

La Muerte de Eric Carr y Revenge

En 1991, la banda sufrió un golpe devastador: Eric Carr murió de cáncer de corazón. Fue un momento oscuro. Para reemplazarlo, reclutaron a Eric Singer. Canalizando su dolor y rabia, y mirando hacia el sonido más pesado del grunge que dominaba los 90, lanzaron Revenge (1992), considerado uno de sus mejores trabajos musicales, oscuro y contundente.

La Reunión Histórica (1996)

Live at Madison Square Garden 1996

A mediados de los 90, la nostalgia por los 70 estaba en auge. KISS aceptó actuar en MTV Unplugged e invitaron a Ace Frehley y Peter Criss al escenario. La reacción fue tan positiva que la reunión fue inevitable.

En 1996, la formación original, con maquillaje completo, anunció una gira mundial. El Reunion Tour fue el espectáculo más taquillero del año. KISS había vuelto a la cima, demostrando que su legado era a prueba de balas.

La Era Moderna y el Final del Camino

La armonía de la reunión no duró. Viejos hábitos y disputas contractuales llevaron a la salida definitiva de Peter Criss y Ace Frehley a principios de los 2000. Controversialmente, Gene y Paul decidieron que los personajes (El Spaceman y El Catman) pertenecían a la banda, no a los individuos. Tommy Thayer (guitarra) y Eric Singer (batería) asumieron el maquillaje de Ace y Peter, respectivamente.

Aunque esto dividió a los puristas, permitió a la banda continuar girando a un nivel musicalmente alto. Lanzaron álbumes sólidos como Sonic Boom (2009) y Monster (2012). Finalmente, en 2019, iniciaron el End of the Road World Tour, una gira de despedida masiva que concluyó en diciembre de 2023 en el Madison Square Garden, donde anunciaron su transición a avatares digitales para la "inmortalidad" de la banda.

Parte VI: Controversia sobre los cambios de formación

Esta es una de las facetas más fascinantes y divisivas de la historia de KISS. La controversia sobre los cambios de formación no se trata solo de "quién toca la guitarra", sino de un debate filosófico sobre identidad, propiedad intelectual y autenticidad en el rock.

Aquí tienes un análisis detallado de esta "Guerra Civil" dentro del legado de KISS:

1. El Mito de los Cuatro Originales (La Era Sagrada)

Para entender la controversia, primero hay que entender la premisa: KISS vendió la idea de que Gene, Paul, Ace y Peter no eran músicos, sino personajes mágicos inseparables (The Demon, The Starchild, The Spaceman, The Catman).

• Durante los 70, la banda funcionaba como una democracia (disfuncional). La magia residía en la química imperfecta entre ellos: la disciplina de Gene/Paul chocaba con el caos callejero y el "swing" natural de Ace/Peter.
• El problema: Cuándo Ace Frehley y Peter Criss dejaron la banda (Peter en 1980, Ace en 1982), KISS se enfrentó a un dilema existencial. ¿Podían existir los personajes sin las personas?

2. El Respeto por la Identidad (Años 80)

Inicialmente, Gene y Paul respetaron la "sacralidad" de los personajes originales. Cuando entraron nuevos miembros, crearon nuevas identidades para no "ofender" el legado ni confundir a los fans.

• Eric Carr (The Fox): Reemplazó a Peter Criss. En lugar de ser un "Gato falso", se creó el personaje del Zorro. Fue inmensamente querido por los fans por su humildad y talento, hasta su trágica muerte en 1991.
• Vinnie Vincent (The Ankh Warrior): Reemplazó a Ace Frehley. Se creó el personaje del Guerrero Egipcio (Ankh).
• La Era Sin Maquillaje: Posteriormente, con guitarristas como Mark St. John y Bruce Kulick, la banda se quitó el maquillaje, eliminando la necesidad de personajes y permitiendo que la banda fuera juzgada solo por su música. Fue un periodo de paz relativa en cuanto a identidad.

3. El Gran Cisma: La Decisión de "Reciclar" los Personajes (2002-Presente)

La verdadera controversia explotó después de la Reunión de 1996. Tras el éxito masivo de volver a juntar a los cuatro originales, las viejas tensiones (alcohol, drogas, disputas de dinero) resurgieron, provocando la segunda salida de Peter Criss y Ace Frehley.

Aquí, Gene Simmons y Paul Stanley tomaron una decisión empresarial despiadada que dividió a la base de fans para siempre: decidieron que los personajes de "The Spaceman" y "The Catman" eran propiedad de la marca KISS, no de Ace ni de Peter.

• Tommy Thayer (El "Falso" Ace): Tommy era el tour manager de la banda y quien ayudó a Ace a reaprender sus solos para la reunión. Cuando Ace se fue, Tommy se puso el traje y el maquillaje del Spaceman.
• Eric Singer (El "Falso" Peter): Un baterista técnicamente superior que ya había tocado con la banda en la era sin maquillaje. Se le ordenó usar el maquillaje y traje del Catman.

¿Por qué esto enfureció a tantos fans?

1. Traición a la Narrativa: Durante décadas, los fans creyeron que el maquillaje era una extensión del alma del artista. Ver a otros músicos usando las "caras" de Ace y Peter se sintió, para muchos, como ver a una banda tributo de lujo o a "impostores" asalariados.
2. La Crítica de Ace Frehley: Ace ha sido muy vocal al respecto, diciendo que no deberían usar su diseño. Sin embargo, legalmente, Ace vendió los derechos de su maquillaje a la compañía de KISS en los 80 para saldar deudas, dándole a Gene y Paul el control legal total.

4. La Defensa de Gene y Paul: "KISS es como Coca-Cola o Batman"

La postura de los líderes de la banda es pragmática y corporativa. Su argumento es:

• El Concepto "Franquicia": Gene Simmons argumenta que KISS es como un equipo de fútbol o una obra como El Fantasma de la Ópera. Si el actor principal se va, buscas a otro que use la misma máscara. El logo y el maquillaje son más grandes que los individuos.
• La Realidad del Rendimiento: Argumentan que Ace y Peter ya no podían tocar al nivel profesional requerido. Tommy y Eric son músicos consistentes, sobrios y fiables que tocan las canciones "como deben sonar", sin errores ni dramas.

5. Conclusión: ¿Integridad vs. Supervivencia?

Esta controversia define el legado tardío de KISS.

• Para los puristas, la banda terminó cuando Ace y Peter se fueron definitivamente. Ven la encarnación actual como una corporación sin alma.
• Para los fans pragmáticos, Tommy y Eric "salvaron" a la banda, permitiendo que KISS siguiera girando con un espectáculo de alto nivel durante 20 años más, algo imposible con la inestabilidad de los miembros originales.

En última instancia, esta decisión aseguró la supervivencia financiera de KISS, pero a costa de transformar a la banda: dejaron de ser cuatro superhéroes individuales para convertirse en una marca donde las piezas son reemplazables. 

Línea de Tiempo Detallada y Puntos de Inflexión

Año	Evento Clave	Impacto / Significado
1973	Formación de la banda y primer concierto.	Nacimiento del concepto visual y musical.
1974	Lanzamiento de KISS (primer álbum).	Define el sonido, aunque las ventas son bajas.
1975	Lanzamiento de Alive!.	Punto de Inflexión: Salva a la banda y la lanza al estrellato.
1976	Destroyer y el éxito de "Beth".	Validación comercial masiva y entrada al mainstream.
1978	Lanzamiento de los 4 álbumes solistas.	Comienzo de la fragmentación interna.
1980	Salida de Peter Criss; entra Eric Carr.	Primer cambio de formación; fin de la era clásica.
1982	Salida de Ace Frehley.	Pérdida de la identidad original y crisis creativa.
1983	El Desenmascaramiento (Lick It Up).	Punto de Inflexión: Supervivencia en la década de los 80.
1991	Muerte de Eric Carr.	Tragedia personal que endurece el sonido en Revenge.
1996	Reunion Tour (Maquillaje regresa).	Retorno a la iconografía clásica y éxito financiero masivo.
2002	Thayer y Singer usan el maquillaje original.	Establecimiento de KISS como una marca que trasciende a sus miembros.
2014	Entrada al Rock and Roll Hall of Fame.	Reconocimiento institucional tras años de rechazo crítico.
2023	Concierto Final en NYC.	Cierre de la etapa de giras físicas; anuncio de avatares.

Rostros Desmaquillados: La Anatomía Humana y Musical de KISS

KISS no es solo una banda; es una marca, un concepto y, sobre todo, una colisión de cuatro personalidades extremadamente distintas. A menudo, la pirotecnia y el maquillaje ocultan la realidad musical del grupo: KISS funcionó (y a veces dejó de funcionar) debido a una alquimia muy específica entre sus miembros.

A continuación, desglosamos la historia de la banda a través de sus protagonistas, analizando cómo sus antecedentes, habilidades técnicas y egos moldearon el sonido y el destino del grupo.

I. Los Fundadores: La Magia de los Cuatro Originales

La formación original (1973-1980) es considerada sagrada por los puristas. No porque fueran los músicos más técnicos, sino porque sus limitaciones y virtudes se complementaban perfectamente para crear el "sonido KISS": una mezcla de hard rock británico, pop de los 60 y R&B.

1. Paul Stanley (The Starchild): El Corazón y el Pulso

Rol: Guitarra rítmica, voz principal, frontman y compositor principal.

• Carrera Previa y Estilo Personal: Antes de KISS, Stanley Eisen (su nombre real) buscaba una salida para su pasión por el rock británico y el soul de Motown. A diferencia de muchos rockeros de la época, Paul tenía una sensibilidad pop muy desarrollada. No quería solo hacer ruido; quería coros que la gente pudiera cantar. Su estilo de guitarra rítmica es a menudo subestimado: sólido, percusivo y la base sobre la que Ace Frehley podía volar.
• Contribuciones y Composición: Paul es el arquitecto de los himnos de KISS. Canciones como "Rock and Roll All Nite", "Detroit Rock City" y "Love Gun" muestran su capacidad para mezclar riffs duros con melodías vocales pegadizas. En el estudio, Paul solía ser el perfeccionista, el que se aseguraba de que la canción tuviera estructura comercial. 
• Dinámica: Paul asumió el papel de frontman y maestro de ceremonias. Su interacción con el público (sus famosos discursos entre canciones) definieron la experiencia en vivo. Cuando la banda flaqueaba por los vicios de otros miembros, Paul era quien mantenía el barco a flote, asumiendo la mayor carga creativa en los años 80.

2. Gene Simmons (The Demon): El Monstruo y el Negocio

 

Rol: Bajo, voz, imagen icónica y estratega de marketing.

• Carrera Previa y Estilo Personal: Chaim Witz (Gene) venía de una formación diferente. Estudió en la Universidad de Nueva York, donde obtuvo su licenciatura en educación y tenía una ética de trabajo implacable derivada de su origen inmigrante. La influencia de Simmons se extiende más allá de la música: su fascinación por el cine de terror, el cómic y la cultura pop le dio el toque extravagante que definió al personaje de The Demon. Musicalmente, estaba obsesionado con The Beatles y el R&B. Su estilo de bajo es melódico y caminante (influencia de Paul McCartney), lo cual es inusual para una banda de hard rock, dándole a KISS un "groove" que muchas bandas de metal no tienen.
• Contribuciones: Gene Simmons fue una figura fundamental en la consolidación de KISS como una marca. Su enfoque hacia la mercadotecnia de la banda, desde el maquillaje hasta el merchandising, fue pionero. Gene aportó la oscuridad y la teatralidad. Mientras Paul escribía sobre amor y fiesta, Gene escribía sobre monstruos, lujuria y poder ("God of Thunder", "Calling Dr. Love"). Su voz gutural contrastaba perfectamente con el tenor limpio de Paul. En vivo, Gene era el espectáculo visual: escupir fuego y sangre no eran solo trucos, eran extensiones de su personaje que vendían la peligrosidad de la banda.
• Dinámica: Gene era el "policía malo" y el cerebro financiero. Sin embargo, su incursión en Hollywood y otros negocios en los 80 creó tensiones, ya que Paul sintió que Gene había abandonado musicalmente a la banda.

3. Ace Frehley (The Spaceman): El Alma del Rock & Roll

Rol: Guitarra solista y voz ocasional.

• Carrera Previa y Estilo Personal: Paul Frehley era un chico del Bronx, autodidacta y con una actitud callejera. A diferencia de la disciplina de Gene y Paul, Ace era impredecible. Su estilo se basaba en la escala pentatónica y un vibrato nervioso y agresivo, influenciado por Jimmy Page y Pete Townshend.
• Contribuciones: Ace le dio a KISS su credibilidad de hard rock. Sin él, KISS habría sido una banda de pop ruidosa. Sus solos no eran ejercicios de velocidad, sino "canciones dentro de canciones" (escucha el solo de "Shock Me" o el final de "Black Diamond"). Su enfoque "descuidado" pero lleno de feeling definió el sonido sucio de los primeros discos.
• Impacto y Caída: Ace era el miembro "cool" con el que los fans se identificaban. Sin embargo, su inseguridad y abuso de sustancias crearon una brecha. Cuando su álbum solista de 1978 vendió más que los de los demás (gracias al hit "New York Groove"), el equilibrio de poder se rompió. Ace exigió más voz y voto, lo que chocó con el control de Gene y Paul, llevando a su salida en 1982.

4. Peter Criss (The Catman): El Swing de la Calle

 

Rol: Batería y voz.

• Carrera Previa y Estilo Personal: Peter Criscuola venía de una formación de jazz y R&B, habiendo tocado en bandas de soul como Chelsea. Era el miembro más experimentado al unirse. Su estilo de batería no era heavy metal; era swing. Tocaba con un rebote y una soltura jazzística que hacía que la música de KISS "bailara" en lugar de solo golpear.
• Contribuciones: Su voz rasposa, similar a la de Rod Stewart, aportó una textura única en canciones como "Black Diamond" y "Hard Luck Woman". Su mayor contribución comercial fue "Beth", una balada que, irónicamente, se convirtió en el mayor éxito en listas de la banda, validando su rol pero alienando a los miembros más rockeros.
• Dinámica y Salida: Peter fue el primero en sucumbir a los excesos. Su forma de tocar se deterioró drásticamente a finales de los 70, lo que obligó a la banda a usar bateristas de sesión (como Anton Fig) en los álbumes Dynasty y Unmasked, aunque Peter aparecía en los créditos. Fue despedido oficialmente en 1980, marcando el fin de la era clásica.

II. La Era de la Transición: Nuevos Sangres y Cambios de Sonido

La salida de Peter y Ace obligó a KISS a evolucionar. La química orgánica de los 70 desapareció, reemplazada por músicos técnicamente superiores pero con dinámicas muy diferentes.

5. Eric Carr (The Fox): El Motor Heavy Metal (1980-1991)

• Impacto en el Sonido: Eric Carr (Paul Caravello) salvó a la banda de convertirse en una parodia. Entró cuando KISS intentaba tocar pop (Unmasked). Eric era un baterista de heavy metal contundente, famoso por su uso del doble bombo.
• Contribución Clave: Su estilo agresivo impulsó el sonido de la banda hacia el metal de los 80 en el álbum Creatures of the Night. Canciones como "I Love It Loud" deben su poder enteramente a la batería de cañón de Carr.
• Relación: Eric era humilde y agradecido, lo opuesto a Peter Criss. Fue amado por los fans y mantuvo la paz interna hasta su trágica muerte por cáncer en 1991, un golpe emocional devastador para la banda, especialmente para Gene y Paul.

6. Vinnie Vincent (The Ankh Warrior): El Genio Problemático (1982-1984)

 

• Impacto en el Sonido: Reemplazó a Ace Frehley. Vinnie era un "shredder" (guitarrista veloz), técnicamente dotado pero sin el "soul" blusero de Ace.
• Contribución Clave: Salvó la carrera de KISS como compositores. Co-escribió casi todo el álbum Lick It Up, que devolvió a KISS al estatus de platino cuando se quitaron el maquillaje.
• Conflicto: Vinnie quería ser un líder, no un empleado. Su negativa a firmar contratos y su comportamiento errático llevaron a su despido rápido. Fue un catalizador musical necesario, pero un desastre personal para la dinámica del grupo.

7. Bruce Kulick: La Estabilidad Musical (1984-1996)

• Rol: Guitarrista principal durante la era "sin maquillaje".
• Estilo: Bruce era el profesional definitivo. No tenía personaje ni un ego desmedido. Su estilo era melódico, técnico y adaptable a las tendencias de los 80 y 90 (glam metal y luego grunge en Carnival of Souls).
• Dinámica: Su presencia permitió a Paul y Gene relajarse. Sabían que Bruce tocaría perfecto cada noche. Fue la etapa de mayor estabilidad interna de la banda, aunque carecía del peligro y mística de la formación original.

III. La Era Moderna y el Corporativismo (2000 - Final)

El regreso del maquillaje en 1996 trajo de vuelta a Ace y Peter, pero las viejas tensiones resurgieron rápidamente. Esto llevó a la decisión más controvertida en la historia de la banda: poner el maquillaje de los miembros originales en nuevos músicos.

8. Eric Singer y Tommy Thayer: Los Herederos del Legado

• Eric Singer (The Catman II): Baterista técnico y preciso. Ya había tocado con la banda en la era Revenge (1992). Su rol actual es replicar la imagen de Peter Criss pero tocando con la consistencia de un reloj suizo. Aporta también excelentes armonías vocales.

• Tommy Thayer (The Spaceman II): Originalmente el "tour manager" y asistente de la banda (incluso enseñó a Ace a volver a tocar sus viejos solos para la reunión). Asumió el rol de Ace. Su estilo es una mímica casi perfecta de las líneas originales de Frehley, sin improvisar demasiado.

• Análisis del Rol: Para Gene y Paul, Tommy y Eric representan la victoria del "concepto" sobre el "individuo". Son empleados perfectos: tocan bien, no se drogan, no llegan tarde y aceptan su salario sin exigir control creativo. Para los fans, representan la división final: ¿Es KISS una banda de rock o una franquicia como Batman, donde el actor puede cambiar mientras el traje permanezca?

IV. Análisis de las Dinámicas y Relaciones

El éxito y la longevidad de KISS se pueden atribuir a un sistema de contrapesos que ha evolucionado drásticamente.

La Alianza Simmons-Stanley

Esta es la relación central. Gene y Paul son opuestos: el cínico pragmático y el artista apasionado. Sin embargo, funcionan como hermanos. Tienen un acuerdo tácito: nadie entra ni sale, y ninguna decisión musical mayor se toma sin el consenso de ambos. A lo largo de los años, cuando Gene se distraía con películas o su sello discográfico, Paul tomaba el mando (como en los 80). Cuando Paul necesitaba apoyo logístico o de imagen, Gene estaba ahí. Su relación no es necesariamente de mejores amigos que salen a cenar, sino de socios vitalicios que protegen la marca por encima de todo.

Tensión Creativa vs. Estabilidad

En los 70, la tensión entre los cuatro miembros originales (el swing de Peter vs. el rock de Gene; la soltura de Ace vs. la precisión de Paul) creó un sonido único porque nadie tenía el control total. Los errores y los empujes creaban "magia". En la era moderna, con Tommy y Eric, la tensión desapareció. El sonido se volvió perfecto, pero para muchos críticos, estéril. La banda pasó de ser un organismo vivo y peligroso a una máquina de entretenimiento bien engrasada.

El Legado Individual en el Colectivo

KISS es un ejemplo fascinante de cómo la suma de las partes crea el todo.

• Sin Paul Stanley, la banda no tendría corazón ni hits.
• Sin Gene Simmons, la banda no tendría mística ni negocio.
• Sin Ace Frehley, la banda no habría tenido la influencia guitarrera que inspiró a generaciones (desde Pearl Jam hasta Pantera).
• Sin Peter Criss, la banda no habría tenido ese groove callejero inicial que los separó de Led Zeppelin o Black Sabbath.
• Sin Eric Carr, la banda no habría sobrevivido a los 80.

La historia de los miembros de KISS es una lección sobre talento, ego y supervivencia. Comenzaron como cuatro marginados de Nueva York que querían conquistar el mundo, y lo hicieron aprovechando sus diferencias estilísticas. A medida que los miembros cambiaron, la banda perdió su peligro orgánico pero ganó una inmortalidad corporativa, demostrando que en el mundo de KISS, el maquillaje es más fuerte que el hombre que lo lleva puesto.

DISCOGRAFÍA DE ESTUDIO COMENTADA

Para abordar un análisis detallado de la discografía completa de KISS, seguiremos un enfoque técnico y crítico, abordando los aspectos musicales de cada álbum, los cambios en la formación de la banda, las influencias de otros géneros y la recepción crítica tanto en su lanzamiento como con el paso del tiempo.

Este artículo está estructurado en torno a los álbumes que KISS ha lanzado a lo largo de su carrera, comenzando desde su debut en 1974 hasta sus trabajos más recientes. El análisis se centrará en las características sonoras, la evolución del sonido, los elementos técnicos de producción, el contexto cultural y la recepción crítica.

KISS (1974)

Características sonoras:

El álbum debut de KISS es una obra cruda y directa de hard rock con influencias claras del glam rock y el blues. Las guitarras son prominentes, con riffs pegadizos y una producción sencilla que permite a la banda mostrar su energía en estado puro. Los temas como “Strutter” y “Firehouse” introducen su fórmula de rock directo con énfasis en el poder de los riffs, las letras sencillas y la teatralidad en la puesta en escena. El tempo en general es rápido, con estructuras de canciones simples y directas, pero efectivas.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Peter Criss (batería, voz)

La formación original de la banda es fundamental para este álbum. La química entre Simmons y Stanley en la creación de las canciones y la energía de Criss y Frehley como sección rítmica son esenciales en este disco.

Influencias y contexto cultural:

A fines de los años 60 y principios de los 70, el hard rock estaba en pleno auge, influenciado por bandas como Led Zeppelin, The Who y The Stooges. KISS, sin embargo, se mantenía en un terreno más accesible, con canciones que tenían un enfoque en el espectáculo y el entretenimiento. A nivel cultural, el glam rock estaba emergiendo como una subcultura y KISS aprovechó estas tendencias para crear una imagen visual impactante.

Recepción crítica:

Aunque el álbum no fue un éxito de ventas inmediato, comenzó a establecer la base de seguidores leales de la banda. Las críticas fueron mixtas, pero el disco ganó notoriedad por la actitud de la banda y su estilo provocador. La simplicidad del sonido fue tanto un punto fuerte como una limitación para los críticos.

HOTTER THAN HELL (1974)

Características sonoras:

Este segundo álbum es notablemente más pesado que el debut, con una producción más cruda y áspera. Las guitarras tienen un tono más agresivo y el ritmo se hace más consistente. Canciones como “Let Me Go, Rock ‘N’ Roll” y “Parasite” presentan un sonido más duro, con elementos de hard rock clásico y metal primitivo. Las melodías vocales de Stanley y Simmons se complementan con una mayor teatralidad.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Peter Criss (batería, voz)

El line-up sigue siendo el mismo, pero la mayor influencia de Frehley en la guitarra solista y de Criss en las percusiones le da al álbum una mayor cohesión en términos de agresividad sonora.

Influencias y contexto cultural:

La transición de KISS hacia un sonido más pesado refleja la influencia de bandas como Led Zeppelin, pero también la llegada de nuevos sonidos en el hard rock. El disco refleja una etapa de mayor experimentación dentro del rock.

Recepción crítica:

Este álbum fue mejor recibido que su predecesor en términos de su autenticidad cruda. Sin embargo, no alcanzó un éxito masivo en ventas. La crítica destacó su energía, aunque algunos lo consideraron menos accesible que el debut.

DRESSED TO KILL (1975)

Características sonoras:

Con “Dressed to Kill”, KISS se aleja un poco del sonido pesado para adoptar un enfoque más accesible, con influencias claras del glam rock. Temas como “Rock and Roll All Nite” se convirtieron en himnos, fusionando un ritmo de rock con la teatralidad de sus presentaciones. La producción es más refinada, pero aún conserva un aire de crudeza. La guitarra es prominente, pero el enfoque en los coros y las estructuras más melódicas es evidente.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Peter Criss (batería, voz)

Aunque la formación permanece igual, el protagonismo de Stanley como compositor y vocalista es más evidente en este disco.

Influencias y contexto cultural:

La incursión de KISS en el glam rock estaba en sintonía con el auge de bandas como T. Rex y David Bowie, quienes también mezclaban el rock con elementos teatrales y visuales. KISS se adentró en la creación de una marca visual, lo que les permitió conectarse con audiencias más jóvenes.

Recepción crítica:

Las críticas para este álbum fueron mixtas, pero “Rock and Roll All Nite” se destacó como un tema emblemático que consolidó la identidad de la banda. A pesar de las críticas de ser superficiales, el álbum consolidó el estatus de KISS como banda de culto.

DESTROYER (1976)

Características sonoras:

Este álbum marca un cambio significativo en la producción y el sonido de KISS. Colaboraron con Bob Ezrin, lo que resultó en una producción más pulida y compleja. “Detroit Rock City” es uno de los primeros ejemplos de KISS incorporando elementos más teatrales y progresivos en su música, con arreglos orquestales y efectos de sonido. Los riffs siguen siendo duros, pero ahora se combinan con complejidades melódicas y cambios de ritmo.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Peter Criss (batería, voz)

Ezrin influyó considerablemente en la formación sonora de la banda, proporcionando más capas y un sonido más grande.

Influencias y contexto cultural:

La influencia del rock progresivo es más evidente en Destroyer, con su enfoque en los arreglos más elaborados y la producción más compleja. Este álbum refleja la evolución del rock hacia una mayor teatralidad y la influencia de las grandes producciones de la época.

Recepción crítica:

Las críticas fueron mixtas al principio, con algunos acusando a KISS de volverse demasiado "comerciales". Sin embargo, con el paso del tiempo, Destroyer se ha convertido en uno de los álbumes más emblemáticos de KISS debido a su enfoque innovador y su contribución al sonido general de la banda.

ROCK AND ROLL OVER (1976) 

 

Características sonoras:

Con Rock and Roll Over, KISS regresa a un enfoque más directo y crudo, similar a sus primeros discos, pero con una mayor producción y una mejora en la calidad sonora. Los riffs de guitarra son más fuertes y los temas tienen un ritmo acelerado y enérgico. Canciones como “Hard Luck Woman” muestran una faceta más melódica, mientras que “Calling Dr. Love” y “Ladies Room” mantienen el estilo de rock contundente que caracteriza a la banda. La producción es más pulida que en sus primeros discos, pero sigue conservando la energía cruda y la actitud rebelde.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Peter Criss (batería, voz)

Aunque el line-up permanece intacto, este es uno de los discos más equilibrados en cuanto a la aportación de cada miembro, con Simmons y Stanley escribiendo las canciones más destacadas, pero con un notable input de Frehley en cuanto a las guitarras y Criss en las voces.

Influencias y contexto cultural:

El rock en vivo estaba en auge durante los años 70, y KISS capitalizó este momento con un sonido más directo y sencillo. El retorno al estilo hard rock puro de la banda se alinea con la respuesta a las influencias del glam y del rock progresivo que dominaron el principio de la década. Rock and Roll Over también refleja la influencia del rock clásico, con toques de blues y pop, pero siempre dentro del marco del hard rock.

Recepción crítica:

Este álbum fue generalmente bien recibido, con críticas que destacaron su energía y simplicidad. Fue un regreso a sus raíces, lo que agradó tanto a los fans como a los críticos, quienes apreciaron la falta de adornos innecesarios. El disco consolidó el estatus de KISS como una de las bandas de hard rock más importantes de la época, y temas como “Calling Dr. Love” se convirtieron en éxitos radiales.

LOVE GUN (1977)

 

Características sonoras:

Love Gun muestra una mayor sofisticación en la producción y una mayor diversidad en los estilos musicales que KISS exploraba. Mientras que el álbum mantiene el enfoque en el hard rock directo, canciones como “Christine Sixteen” y “Love Gun” añaden una mayor atmósfera pop y glam, con riffs más pegajosos y letras que siguen la estética de lo sensual y lo teatral. En este disco, KISS experimenta con la inclusión de más armonías vocales, especialmente en los coros.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Peter Criss (batería, voz)

En cuanto a la formación, aunque el sonido sigue siendo el mismo, hay una mayor colaboración entre Stanley y Simmons en la composición. La guitarra de Frehley tiene un rol destacado en algunos solos, mientras que la batería de Criss aporta la solidez en las canciones más rockeras.

Influencias y contexto cultural:

Este disco fue lanzado en la cúspide del auge de KISS, cuando su imagen y su espectáculo en vivo eran fundamentales para su éxito. Las influencias del glam rock continúan presentes, pero también se puede ver la evolución hacia un sonido más accesible, con temas diseñados para el radio y las grandes audiencias. La estética de las letras, que giran en torno a temas de amor y deseo, se alinea con el ambiente festivo y desinhibido de la época.

Recepción crítica:

Love Gun recibió críticas en su mayoría positivas, con énfasis en su sonido pulido y la evolución de la banda hacia un estilo más accesible sin perder su esencia. “Christine Sixteen” se destacó como un tema popular, aunque las críticas sobre la superficialidad de algunas de las letras surgieron en algunos sectores. A pesar de esto, el álbum se consolidó como otro éxito comercial.

DYNASTY (1979)

Características sonoras:

Este es un álbum de transición, ya que KISS comienza a incorporar más elementos del disco y el pop en su sonido. Dynasty tiene una producción mucho más pulida y presenta canciones como “I Was Made for Lovin’ You”, que se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales de la banda, fusionando hard rock con un sonido dance/pop. El tempo varía más en este disco, desde baladas como “Sure Know Something” hasta temas de rock más tradicional como “Magic Touch”.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Peter Criss (batería, voz)

Este álbum muestra a KISS en un punto en el que las influencias del pop y el disco se hacen evidentes. Las contribuciones de Frehley son más limitadas, y la participación de Criss también es menor, con Simmons y Stanley llevando el peso de la composición.

Influencias y contexto cultural:

El final de los 70s fue una época de experimentación en la música, y el auge del disco y la música de baile influenció fuertemente a muchas bandas de rock. KISS, siendo siempre muy consciente de las tendencias comerciales, decidió adaptarse a la corriente del momento sin abandonar completamente su identidad de hard rock.

Recepción crítica:

Las críticas fueron mixtas. Mientras que “I Was Made for Lovin’ You” fue un éxito comercial rotundo, muchos fans de la banda y críticos se mostraron reacios al cambio de dirección. A pesar de esto, Dynasty sigue siendo recordado por su enfoque más accesible y su habilidad para mezclar rock con elementos de la música popular de la época. 

 

UNMASKED (1980)

 

Características sonoras:

Con Unmasked, KISS continúa con su enfoque hacia un sonido más suave y accesible, siguiendo la estela de Dynasty. Este disco presenta una producción aún más orientada al pop, con canciones como “Shandi” que tienen un enfoque completamente comercial, con influencias del rock suave y el new wave. Las guitarras, aunque siguen siendo predominantes, se ven más atenuadas por el estilo más pulido y radiofónico.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Peter Criss (batería, voz)

El álbum muestra el desgaste en la cohesión de la banda, con Frehley y Criss perdiendo protagonismo en la composición. Stanley y Simmons asumen casi todo el peso del álbum, lo que también se refleja en el sonido más comercial.

Influencias y contexto cultural:

El new wave estaba ganando fuerza en el rock, y Unmasked refleja la tendencia hacia sonidos más ligeros y pegadizos, alejándose del hard rock puro. La banda seguía luchando por mantener su imagen a medida que la escena del rock se diversificaba.

Recepción crítica:

La recepción crítica fue bastante negativa, principalmente debido al cambio hacia un sonido más pop y la falta de la energía cruda de sus discos anteriores. La crítica lo consideró uno de los álbumes más flojos de la banda. Sin embargo, algunos temas, como “Shandi”, encontraron su público, especialmente en mercados internacionales.

MUSIC FROM “THE ELDER” (1981)

 

Características sonoras:

Music from The Elder es uno de los álbumes más inusuales de KISS. Con un enfoque completamente diferente, el disco es un intento por explorar el rock progresivo, con influencias de Pink Floyd y David Bowie. La producción es compleja, con arreglos orquestales y un enfoque conceptual en la música. El álbum tiene una atmósfera sombría y épica, algo completamente alejado del sonido de KISS hasta ese momento.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Eric Carr (batería)

Este fue el primer álbum con Eric Carr, quien reemplazó a Peter Criss. La contribución de Frehley es más limitada debido a su creciente desacuerdo con el resto de la banda.

Influencias y contexto cultural:

El álbum refleja la experimentación de KISS con el rock progresivo, un giro inesperado para la banda, en un intento por evolucionar y explorar nuevos territorios. En la época, el rock progresivo estaba en declive, y The Elder intentó combinar elementos más épicos y complejos.

Recepción crítica:

Las críticas fueron muy negativas, considerando que KISS había perdido su identidad. The Elder es generalmente visto como uno de los fracasos de la banda, tanto a nivel comercial como creativo.

CREATURES OF THE NIGHT (1982)

 

Características sonoras:

Creatures of the Night marca un regreso al sonido pesado y más oscuro que había caracterizado a KISS en sus primeros discos. Influenciado por el metal de la época y el rock más duro, el álbum presenta guitarras más potentes y un enfoque en la agresividad sonora. Temas como “I Love It Loud” y “War Machine” tienen riffs pesados y potentes, con un enfoque más cercano al heavy metal que al glam rock. La producción de Michael James Jackson ayudó a darle a este disco un sonido más limpio y más pulido que los álbumes anteriores, lo que permitió que los elementos pesados se destacaran aún más.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Ace Frehley (guitarra solista)
• Eric Carr (batería)

Este álbum fue el primero con Eric Carr como batería, tras la salida de Peter Criss. Carr se integró perfectamente en la banda, aportando una energía fresca y una batería más contundente. La salida de Frehley estaba cada vez más cerca, y su contribución en el álbum fue limitada.

Influencias y contexto cultural:

La época de los 80s estuvo marcada por el auge del metal pesado, y KISS se adaptó a estas influencias para mantenerse relevantes. El sonido de Creatures of the Night está claramente influenciado por bandas de heavy metal como Judas Priest y Iron Maiden, quienes también estaban en pleno apogeo en ese momento.

Recepción crítica:

Este álbum recibió críticas en su mayoría positivas, siendo considerado un retorno a las raíces del hard rock y el heavy metal para la banda. “I Love It Loud” se convirtió en un éxito radiante, y el disco fue más apreciado por los seguidores del metal y el hard rock. Aunque no fue un éxito comercial inmediato, con el tiempo se ha considerado uno de los álbumes más sólidos de la banda en esta era.

LICK IT UP (1983)

 

Características sonoras:

Lick It Up es un punto de inflexión para KISS, ya que es el primer álbum sin maquillaje. Musicalmente, el álbum sigue el camino hacia un sonido más directo, con un enfoque en el hard rock clásico y el metal. Canciones como “Lick It Up” y “All Hell's Breakin' Loose” son representativas de este enfoque, con riffs de guitarra más pesados, pero manteniendo un toque de accesibilidad. La producción es más pulida, con una mayor influencia de la música pop y rock de los 80s.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Vinnie Vincent (guitarra solista)
• Eric Carr (batería)

El álbum introdujo a Vinnie Vincent como guitarrista solista, quien se convirtió en un miembro clave para el sonido de la banda en este álbum. Su estilo agresivo y técnico en las guitarras aportó un nuevo nivel de virtuosismo que KISS no había experimentado anteriormente.

Influencias y contexto cultural:

Lick It Up es un reflejo del cambio cultural de los años 80, donde el glam metal y el hard rock más accesible estaban en auge. La decisión de KISS de quitarse el maquillaje fue una respuesta al cambio de época y al deseo de una mayor conexión con su audiencia, dejando atrás la estética del pasado para adaptarse a un mundo musical más enfocado en la imagen personal.

Recepción crítica:

El cambio de imagen fue polarizante, pero el álbum fue recibido positivamente por la crítica. La audaz decisión de despojarse del maquillaje no impidió que el disco tuviera éxito comercial, y canciones como “Lick It Up” se convirtieron en éxitos radiales. A pesar de esto, el álbum no recibió tanta atención crítica como algunos de sus discos anteriores, aunque sigue siendo una de las etapas clave en la transición de la banda.

ANIMALIZE (1984)

 

Características sonoras:

Con Animalize, KISS se adentra aún más en el sonido del glam metal de los 80s. Este álbum tiene un enfoque mucho más orientado hacia el pop metal, con riffs más pulidos y arreglos más accesibles. Canciones como “Heaven's on Fire” y “Burn Bitch Burn” son ejemplos de este estilo, con un sonido pulido y pegajoso. La producción se centró en hacer un disco comercialmente viable para el público de la época, manteniendo la energía característica de la banda pero adaptándola a un estilo más contemporáneo.

Line-up:

• Gene Simmons (bajo, voz)
• Paul Stanley (guitarra rítmica, voz)
• Mark St. John (guitarra solista)
• Eric Carr (batería)

Influencias y contexto cultural:

El glam metal estaba en su apogeo a mediados de los 80s, y KISS no podía quedarse atrás en cuanto a tendencias. Influenciado por bandas como Mötley Crüe y Def Leppard, Animalize es un intento de KISS por conectarse con la nueva generación de oyentes que buscaban un sonido más pulido y orientado al pop en el metal.

Recepción crítica:

Las críticas fueron mixtas, con algunos elogios a la energía del álbum y al regreso de la banda al escenario de la música comercial, pero también se le criticó por alejarse de su identidad original. A pesar de las críticas, el álbum tuvo un buen desempeño en las listas de ventas, especialmente con el éxito de “Heaven's on Fire”. 

 

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SEGUNDA PARTE SOBRE KISS