ELUVEITIE - Evocation II: Panthon (2017): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Raro es ya, de entrada, un disco que usa una lengua muerta indoeuropea de la que solo nos han llegado testimonios escritos y de la que su pronunciación es una hipótesis basada en su influencia en otras lenguas vivas: el antiguo galo. El nombre del grupo, Eluveitie, pronunciado “El-vei-ti” se traduce como “El helvético”. Se trata de un grupo suizo fundado en Winterthur por Chrigel Ganzmann en el 2002 y que fusiona el death metal con el folk galo usando instrumentos tales como el violín, flautas, gaitas y zanfoñas. Vamos, lo que se ha dado en llamar folk metal. Pero estos señores decidieron ir un pasito más allá, mezclando el galo antiguo con el inglés en algunas de sus letras hasta que, allá por el año 2009 decidieron editar la primera parte de este vinilo que os traigo, Evocation I: The Arcane dominion, usando en todas las canciones el galo en un disco acústico. Fue con ese disco con el que los descubrí y me flipó bastante ese sonido folk. Cuando investigué en su discografía anterior, descubrí su parte death metal y el guturalismo de sus canciones y, quitando un par de temas, no me hicieron mucha gracia. Es más, tras aquel disco, seguí escuchando sus nuevos trabajos de los que, en cada uno, salvo solo dos o tres temas, los más melódicos. Ya sabéis, soy un blandengue. De todas formas, en mis listas de reproducción figuran temas como: “The Call of the mountains”, “Inis Mona”, “A rose por Epona”, “Helvetios”, “Ambiramus”…casi siempre donde hay voces limpias.

FIGGIE - Genoeg Houvast (2009): Crítica review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Mirad qué vinilo os traigo hoy y en un idioma poco común: neerlandés o dutch, como dicen ellos. ¿Por qué está en mi colección un disco de una banda de skater y surf rock indie de habla holandesa? Pues porque un día de estos en los que hay que ir a un centro comercial, pero te puedes escabullir un rato a tu bola y terminas curioseando en la pequeña zona de vinilos de una conocida tienda, descubrí un cajón con ofertas al 75% y la portada de este disco me llamó la atención. Hice una búsqueda en la plataforma musical que todos conocemos y las dos canciones que escuché, me gustaron…luego resulta que eran las dos mejores y que más se acercan a mis gustos y que el resto eran demasiado “indie”. Bueno, ya os estoy adelantando que este trabajo no va a pasar a estar entre lo más pinchado de mis discos y, casi con toda seguridad, entre los vuestros. De todas formas, no me voy a escudar en ello para justificar la poca extensión (teniendo en cuenta mi historial) de esta entrada: la verdad verdadera es que estoy extremadamente vago, pero no puedo dejar pasar tanto tiempo entre colaboración y colaboración. Así que... vamos allá.

FALCO - Emotional (1986): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Merece la pena hablar de este tipo, y, fijaos, quizás no por este trabajo en concreto. Es más, posiblemente, este Emotinal marcó el inicio de la decadencia en su carrera. Voy a intentar, en cualquier caso, no ser excesivamente crítico con él. Vayamos al lío.

ZUCCHERO FORNACIARI - Blue's (1987): Crítica Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Habrá entre vosotros quien piense que Zucchero es un sinvergüenza, que no entiende ni una pizca de blues. Pero yo creo que este álbum es un homenaje a los grandes padres del blues y del soul pero sin copiarlos. Más como reescribiéndolo (aparte de los robos tradicionales en el italiano a la figura inconmensurable de Joe Cocker) para llevarlo a otro terreno, usando los mismos instrumentos y esquemas, pero a su manera: por ejemplo, los versos parecen encaminados a adaptarse a la música, con el sonido más americano posible, con juegos de palabras que hacen referencia. a la jerga americana o dialecto.

Jane Birkin & Serge Gainsbourg - Je t'aime...moi non plus (1969): CRÍTICA Review

por Dani Matute (@dmatuteb)

Os sitúo. Pleno año del amor, París, invierno de 1967. El compositor francés Serge Gainsbourg y la actriz Brigitte Bardot tienen un affaire. A ver, sí, estaban liados y había cuernos de por medio. Pero eran franceses y tenían que ponerle un nombre más interesante. Por cierto, el propio Serge, eufórico por estar con el símbolo sexual más importante de todo su país, contabilizaba los días y ese affaire duró 86, concretamente. Venga, retomemos la historia. Una forma de calentarle la oreja a la Bardot fue prometerla componer la canción más bella de amor que se hubiese escrito jamás. Pero, es más, entre polvo y copa de champán fumando algún Gauloises, la convenció para grabar esa canción los dos juntos porque ambos debían cantar como si realmente se estuvieran haciendo el amor. A Brigitte aquello le pareció super excitante y se pusieron manos a la obra, el 10 de diciembre, en el estudio B de las salas de grabación de Barclay, en la parisiense Avenida Hoche. Aquí tenemos una de esas historias de “dicen que” pero sin pruebas: el ingeniero de sonido de aquella grabación, William Flageollet, dijo que tanto Serge como Brigitte se estuvieron masturbando para lograr gemidos y susurros sexuales lo más parecidos a la realidad. El arreglista de aquella grabación fue Michel Colombier, que años más tarde trabajó con Madonna en su Music, del 2000, y también en su tema de James Bond, “Die another day”.

ALARMA 2.000 (single) La chispa de la vida y Coca-Cola: Historia de una canción

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

En un principio fue un jingle para un anuncio, de cuando la bebida se vendía como “La chispa de la vida”. Luego se hizo una canción larga dado el éxito y además se utilizó para las campañas navideñas de Coca-Cola. Pero empecemos:

NINA HAGEN BAND - Unbehagen (1979): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Lejos de lo habitual, he aquí un disco en alemán. No es de mis favoritos, es cierto, y además, es complicado de reseñar, aunque la artista siempre me ha llamado la atención por lo diferente que es. Si Aretha es la reina del Soul y Madonna la del pop, sin lugar a dudas, Nina Hagen pasará a la historia como la reina del punk o la madrina del punk, por muy difícil que sea encuadrar a la alemana dentro de una sola corriente artística.

UHF - Estou de Passagem (1982): CRÍTICA Review

por Dani Matute (@dmatuteb)

Para dejar esto claro desde el principio, vaya por delante que no quiere uno ir de snob, cultureta ni nada similar. ¡Qué va! Yo soy uno más de ese rebaño español que no tiene ni pajolera idea de la música portuguesa, en general, y del rock en portugués en particular. En el verano de 2022 decidí rellenar, mínimamente eso sí, esa laguna musical. Y la razón fue que iba a pasar una semana de vacaciones en algunas ciudades lusas por lo que tomé la determinación de llevarme a casa como recuerdo un vinilo de algún grupo rock portugués. Estuvo a punto de no ser así, porque me planté el penúltimo día, sábado, buscando una tienda de discos abierta en Oporto. Me costó, pero al final pude curiosear en los estantes de una, Porto Calling, a diez minutos andando de la Iglesia de los Clérigos, de la del Carmen y de la famosa librería Lello (esa que se supone inspiró la librería del callejón Diagon de Harry Potter), en uno de los barrios más de moda, el barrio de Cedofeita. Y resulta que las modas se pagan y los vinilos estaban un poco caros, la verdad. Al final terminé comprando, por razones de efectivo, un mini Lp (el segundo trabajo) de un histórico de rock lusitano: UHF.

MANIC STREET PREACHERS - Resistence is Futile (2018): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

El que os presento hoy es uno de esos discos de "sí, pero...". De esos discos, digo, de una innegable calidad. De esos en que las canciones enganchan y que podrían convertirse en himnos en directo. Incluso con letras reivindicativas, nada de ñoñerías. Una cuidada producción con unos excelentes músicos. Incluso con una portada maravillosa. En definitiva, un trabajo que casi cualquier banda mataría por firmar. Sí, pero... (decía yo). El pero es que no es un Everything Must go on, ni un The Holy Bible ni un This is my truth tell me yours. Y eso que está más en esa línea que ningún otro de sus múltiples lanzamientos en esos años. El pero es que a estos tipos de los Manic Street Preachers se les exige más porque la calidad, como el valor en los legionarios, se les presupone. Y creo que caemos en un craso error. Este trabajo hay que escucharlo y disfrutarlo individualmente, descontextualizando lo que ya conocemos de estos galeses. Porque, aunque he escrito por ahí arriba que está en la línea de sus grandes trabajos de los 90, tampoco es exactamente lo mismo. Es cierto que tampoco es que hayan dado un cambio radical. Es otro de los problemas de estos discos de “sí, pero…”, que queremos que esos grupos hagan super discos, pero que no sean iguales que los pasados. Y, sin embargo, cuando hacen algo así, volvemos a decir que es que no se parece a lo que hacían antes. En definitiva, queremos que todos sean como AC/DC, que hacen discos casi clavados. Pero no es posible porque eso solo se lo permitimos a ellos, no entiendo muy bien la razón.

ROGER HODGSON - In the Eye of the Storm (1984): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

¿Nevada City? ¿Y qué demonios hay en Nevada City (California)? Vale, está en el estado dorado. Pero a 700 kilómetros en coche de Holliwood, y a 250 de San Francisco y del mar, hay un pueblo de menos de 3000 habitantes cerca de las montañas y es allí es a donde se fue nuestro protagonista a vivir y grabar. En plena vorágine de éxito de Supertramp en USA con su Breakfast in America, Hodgson abandonó Los Ángeles, donde vivía toda la banda por el pueblito de Nevada City. En Nevada City se compró unos cuantos acres y se construyó una casa en la montaña donde compartir y disfrutar la vida con su mujer y sus dos hijos. Además, allí se hizo un estudio de 48 pistas, Unicorn Studios, valorado en millones de dólares. El último disco de Supertramp, Famous last words, fue grabado entre los estudios de Rick Davies en Los Ángeles, donde trabajó con el resto del grupo y el estudio de Hogdson en Nevada City, donde se grabó su parte, en una crónica anunciada de su divorcio.

M-CLAN - Un buen momento (1995): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Cuando se habla de una banda conocida por todos, que ha estado casi treinta años navegando por las turbulentas aguas musicales españolas y que fueron cambiando de estilo (quizás más que de estilo, de fiereza dentro de él) para ampliar el público objetivo al que llegar, es muy complicado volver a sus inicios y analizarlos y valorarlos objetivamente sin que todo ese poso no nos permita ver la cristalinidad y pureza de cuando algo echa a andar.

BONNIE RAITT - Nick of Time (1989): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

He aquí otro de esos vinilos que me compré a finales de los 80 y principios de los 90 de mujeres con voces personales. Ya os he traído por aquí a Alannah Myles, Cher, Melissa Etheridge, Belinda Carlisle o Bonnie Tyler. No sé por qué, pero durante unos años sentía predilección por ese tipo de voces. Quizás Bonnie Raitt sea la poseedora de la voz menos marcada entre todas las que os he ido contando. Pero recuerdo que el Lp de Nick of Time fue bastante promocionado, ganando diversos premios y creo que eso pesó casi más en la compra del vinilo que la atracción de su voz.  En absoluto quiero insinuar que el disco es malo. Solo que podría ser mejor.

EAGLES - Hotel California (1976): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Os traigo hoy este archiconocido, quizás hasta la saciedad e, incluso, hasta el hartazgo, Hotel California de Eagles. El mayor éxito en su carrera. Quizás el éxito que destruyó a los Eagles.

ELVIS PRESLEY - The All Time Greatest Hits (1987): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Es esta una entrada para que va a servir solo para engrosar mis estadísticas personales, no para enriquecer esta web. Más aún, va a ser, de largo, mi entrada más corta. Estoy algo vago, lo reconozco, Pero también es que no tengo mucho más que añadir a cuanto ya sabemos o se ha publicado sobre el Rey, Elvis Presley. 

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA / OLIVIA NEWTON JOHN – Xanadu (1980): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Esta reseña la escribí a raíz de la muerte de Olivia Newton-John, una especie de homenaje. El disco del que hoy os hablaré es, como la propia banda sonora de la película Xanadú, un superviviente. Efectivamente, la banda sonora sobrevivió a una película nefasta. Tan mala que inspiró a John Wilson a crear en 1981 los conocidos premios Razzie. Y en esa primera edición se llevó seis nominaciones y ganó en la categoría de peor director (Robert Greenwald). La película es una amalgama de videoclips inconexos, un guion surrealista y nefasto, incluyendo diálogos para olvidar. Lo peor de todo es que la intención de la película no era esa, ya que se contrataron a actores "serios" como la propia Newton-John o Gene Kelly. Es decir, no estaba pensada para ser una gansada desde el inicio, como sí lo es Voyage of the Rock Aliens (Nuestros maravillosos invasores en nuestro país), con Pia Zadora, por ejemplo. Aunque, en el fondo, son productos similares, el objetivo primario no lo era.

IMMACULATE FOOLS - Dumb Poet (2018): CRÍTICA Review

por Dani Matute (@dmatuteb)

Como he contado alguna vez, en una mudanza decidí deshacerme de mi colección de casetes TDK. Y ya he dejado por escrito que fue un gran error, porque entre las que eran copias, iban bastantes originales, casi todas compradas en los cajones de ofertas que había en algunas tiendas. Dos de esas cintas pertenecían al grupo que os traigo hoy: los locos inmaculados, los tontos sin mácula o como os guste traducirlo.

MANFRED MANN'S EARTH BAND - Messin´ (1973): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Reconozco que antes de rescatar este disco de la Manfred Mann´s Earth Band de una columna olvidada de vinilos, solo conocía dos canciones del grupo, “Davy’s on the road again” y “The Runner”, que corresponden a su época más comercial y AOR. Luego resulta que TODOS conocemos una canción del grupo originario, Manfred Mann, el famosísimo “Do Wah Diddy Diddy”.

BELINDA CARLISLE – Runaway Horses (1989): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Aunque es lo pop lo que predomina en sus discos, la voz fuerte de Belinda Carlisle es la que me hizo adicto a sus primeros trabajos, de finales de 80 y primeros de los 90. No sé, debilidad por este timbre de voz: Cher, Bonnie Tyler, Alannah Myles, Melissa Etheridge…

Reseña del disco THE TRAVELING WILBURYS VOL ONE (1988) de The Traveling Wilburys

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Situémonos en la primavera de 1988, en Los Ángeles. Un grupo de amiguetes decide juntarse para hacer unos temitas juntos. Seguro que eso pasa todos los días. Pero resulta que esos amigos, además de amigos, eran cinco de los músicos más grandes de la historia de la canción popular. Y, por ende, cualquier cosa que hicieran o hiciesen juntos, iba a terminar siendo un clásico. Porque nunca antes ni nunca después ha estado justificado el uso del vocablo supergrupo para denominar a una banda formada por músicos con una carrera anterior de éxito.

LOS ZIGARROS - A todo que sí (2016): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Creo que esta vez voy a empezar por el final y dejar la conclusión antes de desgranar el contenido: el disco es lo que es, una ejercicio de chulería, desparpajo, macarrada  y socarronería. Es decir, lo mínimo que se le debe pedir al rock and roll clásico de toda la vida. Para pasarlo bien, coño. Y sí, te sonará a Stones, Status Quo, Burning, hasta Tequila. Pero es que los valencianos no habían inventado nada nuevo ni creo que lo pretendieran. Sin embargo, joder, lo que hacen en este disco lo hacen de puta madre y te levanta de tu asiento o te obliga a golpear el volante mientras conduces, te hace marcar el ritmo con la cabeza y no tienes más remedio que marcarte una sonrisa de medio lao a medida que los oyes. Y qué mejor que encontrar algo que haga olvidarte del resto de la vida y disfrutar un buen rato, ya sea tomándote unas birras, haciendo la paella del fin de semana o con tu familia delante del auditorio de Aluche, que es donde fuimos a verlos.