The Hunter
Quiero presentarles un hermoso álbum del, hasta entonces desconocido (al menos para mí), Chris Cacavas, un músico de Los Ángeles que había estado activo desde los años ochenta, habiendo participado como tecladista en la banda Red & Green. Tras dejar el grupo, se embarcó en una carrera en solitario con su banda Junk Yard Love, esta vez al mando de la guitarra y la voz, sorprendiendo a todos con su voz melancólica y gran intimidad con el nuevo instrumento.
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Viajemos con Rage Against the Machine a 1999. El álbum se titulaba The Battle of Los Angeles y supuso su tercer álbum de estudio. Se lanzó casi tres años después del legendario Evil Empire. Y como siempre, otro golpe sensacional de estos activistas sin pelos en la lengua. Esta vez hacen muchas referencias a la novela de George Orwell, cuyo lema es: "Quien controla el pasado controla el futuro. Quien controla el presente controla el pasado". El tema 'Testify' también recuerda el episodio de 1968 en el que el atleta africano Tommie Smith, entonces medallista de oro, levantó el puño en señal de protesta, convirtiendo ese gesto en un hito de la disidencia en los Juegos Olímpicos modernos.
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Os traemos una de las primeras "mujeres del blues" de la historia. Alberta Hunter (es de los míos, de los de Kraven), nacida en Estados Unidos en 1895, comenzó su carrera alrededor de 1920, siguiendo los pasos de sus contemporáneas Bessie Smith y Ethel Waters, alcanzando un éxito considerable con su voz nigérrima de gran calidad, bellas composiciones que abarcan brillantemente desde el blues hasta el jazz, y una gran dosis de irreverencia.
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El gran trovador del blues, Lightnin' Hopkins, llenaba la mesa de mezclas con su talento surrealista. Fue uno de los grandes nombres del llamado Country Blues, y su historia se entrelaza con el nacimiento del negro blues en las plantaciones de blanco algodón. Inspiración para la mayoría de los grandes nombres del género, y a pesar de su limitada formación académica, su estilo desconcierta a los profesores de música de cualquier universidad del mundo.
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The Puppini Sisters son un trío vanguardista londinense que evoca la cultura de las primeras décadas del siglo pasado; tanto su vestuario como sus videoclips mantienen la misma línea estilística de la época. Inspirada por las famosas Andrews Sisters, la italiana Marcela Puppini fundó el grupo en 2004, que también incluye a Kate Mullins y Stephanie O'Brian. Betcha Bottom Dollar, su álbum debut de 2006, es una invitación al pasado, impregnado de jazz. Siente la nostalgia de los años treinta y cuarenta como si una película en blanco y negro se proyectara en tu mente mientras escuchas este divertido álbum que incluye varios clásicos de aquella época.
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Con el regreso a la era de la amplificación eléctrica, los riffs demoledores y el virtuosismo exagerado, habalmos de Radio Moscow y su segundo álbum, Brain Cycles (2009). Comparado con su álbum anterior, que era pura psicodelia cruda al más puro estilo de la Costa Oeste, este quiso ser, más comercial en el sentido de llegar a un público diferente —aficionados al blues-rock-psicodelia—, con letras más relevantes y una menor dosis de virtuosismo, resulta impactante y demuestra que Radio Moscow ha sido una de las bandas más interesantes hasta 2017, en que publicaron su último disco, capaz de ofrecer resultados aún mejores. ¡Un álbum espectacular que os aconsejo desde aquí en este breve apunte!
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No sé si esto los sabíais. Las australianas Karen Eden, Anne McCue y Atlanta Coogan formaron Eden A.K.A. en 1997. Las tres chicas lo tenían todo para triunfar en el mundo de la música: un contrato discográfico firmado con GlassNote, un productor de la talla de David Kershenbaum (Joan Baez, Cat Stevens, Supertramp, Ozark Mountain Daredevils), unas voces increíbles y unas composiciones hermosas que bebían de la mejor tradición folk. A esto había que añadir que ya habían realizado una exitosa gira por Norteamérica y, por si era necesario algo más, en su primer disco iban a contar con colaboraciones de lujo: el violín de Scarlet Rivera (el Desire de Dylan), los teclados de Phil Parlipiano (Rod Stewart), el bajo de David Piltch (K.D. Lang) y la guitarra de Stephen Stills.
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Frente al colorido paisaje caleidoscópico de San Francisco, un monocromo y agreste paisaje rural; frente a conejos blancos, pistoleros del lejano Oeste; frente a constelaciones zodiacales, visiones de un/el apocalipsis; frente a la (auto)indulgencia y los excesos del Verano del Amor, ascetismo.
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El disco lo publicaron en 1973, aunque fue grabado un año antes en San Francisco. Sextant es el primer álbum de Herbie Hancock para Columbia y última referencia bajo el manto del Mwandishi Sextet, llamado así por los nombres suajilis adoptados por los integrantes del combo, esto es, el autor de Maiden Voyage, rebautizado "Mwandishi", a los teclados; Bennie "Mwile" Maupin al clarinete y saxo soprano; Dr. Eddie "Mganga" Henderson a la trompeta y fliscorno; Julian "Pepo" Priester a los trombones, Buster "Mchezaji" Williams al bajo y Billy "Jabali" Hart, batería. Al igual que sus predecesores -el homónimo Mwandishi (1971) y Crossings (1972)-, estamos ante un trabajo al que no resulta sencillo describir con palabras, un trabajo que suscita más preguntas que respuestas: y es que un tema del calado de "Rain Dance", primera de las tres únicas piezas que le dan forma, ¿es jazz modal?, ¿futurismo?, ¿es música electrónica?, ¿ambient antes del ambient? Lo más ¿sencillo? sería decir que es todo eso y a la vez no lo es.
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En el momento en que Lenny Kaye puso en pie su pantagruélico doble elepé Nuggets: Original Artyfacts From The First Psychedelic Era, 1965-1968, no solo sembró una de las semillas de las que germinaría el movimiento punk (el álbum se publicó, ya sabréis, en 1972), sino que sirvió de modelo para toda una pléyade de recopilaciones (Pebbles, Back From The Grave,...) que hasta el día de hoy siguen excavando en una escena, la del garage y la psicodelia 60's, que parece no tener fin.
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Quizá sea debido a su condición de pionero de la electrónica y la música ambiental, su exitosa labor como productor de, entre otros, U2 o Talking Heads, a su colaboración con Bowie en la afamada Trilogía Berlinesa, o a su lucha de egos con Brian Ferry -que culminaría con su abrupta salida del seno de Roxy Music-, es el caso que se tiende a subestimar las primeras obras en solitario de Brian Eno, nacido Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno (¡toma ya!). La experimental, excéntrica y surrealista búsqueda para remover los cimientos de lo que se suponía debían ser los parámetros del pop/rock da comienzo con su debut en solitario: el -curiosamente o no- tan subversivo como adictivo Here Come The Warm Jets, publicado en 1974.
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Por aquí os dejé los álbumes del 11 al 20 y por este otro lugar del 21 al 30. Ahora, sin más preámbulo, que suficiente hubo ya en esas entradas, os dejo los 10 mejores, eso sí, comentados y echando el resto. Elaborando estoy ya otra lista alternativa con otros 30 mejores discos (que me gustan tanto como a vosotros).
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En la entrada anterior os dejé del 21 al 30, pues seguimos un orden ascendente (asciende hasta el mejor; hay que esperar).
Guste o no, la década de los 90, quedará marcada por el auge del rock alternativo y el grunge (etiqueta -como la mayoría- cogida por los pelos pues, más allá del marco geográfico, no creo que Mudhoney o Soundgarden, Nirvana o Screaming Trees, por poner un par de ejemplos, tuvieran mucho que ver). Y claro que Sonic Youth, los Replacements o Pixies ya estaban antes (y grabaron grandes obras como Goo y Bossanova), pero ¿qué hacemos, cerrar el chiringuito y limitarnos a Chuck Berry, los Beatles y la Velvet? No sé si me explico. Esas nuevas bandas de Seattle, además, no dejaron de reivindicar a aquellos que les precedieron e inspiraron, fueran estos Neil Young, Black Sabbath o Meat Puppets. Quien no sintiera nada por el grunge, tenía a su disposición una pléyade de grupos indies (cuando esa etiqueta tenía aún algún sentido); bandas excelentes -y con las que servidor debe seguir profundizando- como Yo La Tengo u otras como Pavement o My Bloody Valentine, con las que uno ya no conecta. Mientras, Metallica, Guns N' Roses o Aerosmith mantendrían viva la llama del rock en los estadios y unos jóvenes de Atlanta, The Black Crowes, nacían para convertirse en los últimos clásicos.
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Bueno, mi intención era sacar una clásica lista 10, pero como aquí nos encantan las listas (facilones que somos) nos hemos dicho: ¿por qué conformarnos con diez?; así que aquí está la primera parte de tres entregas donde irán apareciendo los 30 discos predilectos de la década de vuestro cazador especial favorito.
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Seguidme. Diez años habían transcurrido desde que J Mascis y Lou Barlow decidieran volver a hablarse y reunir de nuevo el trío original de Dinosaur Jr. Tres discos después, parecía innecesario dejar pasar más tiempo para afirmar sin rubor que aquel fue uno -si no el mejor- regreso de una "vieja gloria" que hemos vivido. En una época donde sufrimos tanto comeback bochornoso, los autores de Bug despejaron cualquier duda a base de lo único que verdaderamente importa: canciones. No quiero imaginarme lo que cualquier seguidor veterano debió sentir al pinchar por primera vez una obra como Beyond (2007), y digo esto porque servidor, sí, conocía a Dinosaur Jr, por supuesto, pero, por la razón que sea, uno, más allá de canciones sueltas, no se dejó mecer por las melodías de Mascis, no se dejó lacerar por su guitarra, hasta que el eterno dinosaurio adolescente volvió a caminar entre nosotros. Nada más lejos entonces que intentar erigir un canon del grupo con esta entrada, ni siquiera la selección busca ser un Top-10, simplemente son los espontáneos brochazos con los que un "converso" pretende dibujar la huella que deja en él cancionero tan emocionante. Os dejo, por añadidura, unas palabras sobre los temas elegidos. Van en orden cronológico.
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Dejando atrás al airado y vocinglero adolescente de In The City (1977) y su continuación, This Is The Modern World (1977); matizando la arrogancia de ese joven que entrega una obra maestra como All Mod Cons (1978), y al que la edad del pavo le hace ocultar en los créditos del disco la inclusión de la enternecedora "English Rose"... Sabiendo que había llegado el momento, atisbada la cima, Paul Weller se enfrasca en el ambicioso reto de componer una obra conceptual alrededor de tres amigos de la infancia cuyas vidas -y cuya amistad- cambian tras una guerra civil.
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Pues nada más y nada menos que 42 000 fueron los espectadores que un 5 de agosto de 1962 se juntaron, en el marco del International Jazz Festival celebrado en la localidad belga de Comblain-La-Tour, para disfrutar -¡y de qué manera!- de la actuación del sexteto de Cannonball Adderley. Al saxo alto del artífice de Mercy, Mercy, Mercy! le acompañarían para la ocasión su hermano Nat a la trompeta, una base rítmica formada por Sam Jones (bajo) y Louis Hayes (batería), el piano del músico austríaco Joe Zawinul y un recién llegado al combo, Yusef Lateef, quien se ocupará indistintamente del saxo tenor, la flauta y el oboe.
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En el momento preciso en que dejábamos atrás los últimos acordes de "If Su Is Not There", tema con el que los Feedbacks cerraban la que hasta la fecha era su última referencia, Sunday Morning Record (2006), lo primero que nos venía a la mente era que acabábamos de deleitarnos con uno de los mejores temas de pop de guitarras de la década; así de claro. Afortunadamente, la obra que la contenía contaba con más perlas en su interior, cultivadas todas ellas por unos músicos que parecían haber alcanzado aquí su madurez. Certeza esta que se veía asaltada luego por una incertidumbre: ¿serían capaces los asturianos, no ya de superar, sino de alcanzar un resultado semejante con su siguiente obra? (seguid leyendo)
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Más o menos así. Agarrarte más fuerte o soltarte la mano; emprender una huida hacia delante o parapetarse en la retaguardia construyendo un nuevo fuerte; seguir los dictados del corazón o los mandatos de la cabeza. Cuitas vitales y sentimentales que vibran y se agitan en el interior de las once composiciones que dan forma a Heart Vs. Mind (2013), este disco de Bryan Estepa. Un Bryan Estepa que podría haber nacido en California, pero lo hizo en Australia. Un Bryan Estepa que podría ser Jeff Tweedy, pero prefirió ser Bryan Estepa. Un amante de la música cuyo corazón late al ritmo de las canciones de Brian Wilson, Alex Chilton, Paul Westerberg, Simon & Garfunkel o Gram Parsons.
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Empecemos con una contextualización. Con Perfidia James Ellroy da inicio a un segundo Cuarteto de Los Ángeles que cronológicamente precede a aquel primer y ya mítico Cuarteto que había inaugurado La Dalia Negra a finales de los 80. Para dicha precuela no solo recupera personajes de aquel, sino también de su imponente Trilogía Americana, construyendo así el proyecto de un corpus novelístico de once títulos con los que dar testimonio de la/su historia de los EEUU durante tres décadas.
