Crítica de la película CARMINA Y AMÉN (Paco León, 2014): reseña

 

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Carmina y amén no es otra cosa que la secuela de Carmina o revienta –comentada aquí- dirigida por Paco León y protagonizada de nuevo por media familia, entre primos, hermanos y –cómo no- su madre. Lo que la película nos cuenta esta vez es cómo Carmina oculta la repentina defunción de su marido con el fin de acceder así a la paga doble que en solo dos días está a punto de cobrar. Ese es el leit motiv de un argumento en el que se mezclan diversas situaciones cotidianas con personajes como la vecina depresiva que tiene un hijo deficiente o la liberal masajista catalana. Amiguitos, mi impresión es que, pasada la sorpresa que supuso la opera prima de León, quizás uno espera la misma frescura de esta –podemos decir- segunda entrega, que no llega al espectador de manera inmediata. Pero creo que es un error buscar en esta segunda parte las mismas sensaciones que nos provocó encontrarnos en pantalla con ese personaje -¿qué es real y qué ficción?- llamado Carmina Barrios. Dejando de lado eso, podemos despojarnos de ideas preconcebidas y afrontar el disfrute de la obra. En ese sentido, la película va entrándonos poco a poco, pero cuando te ha envuelto la historia, te ves metido de nuevo en un pedacito de vida real con cierto toque de Berlanga y de neorrealismo italiano.

Crítica de la película THE PRINCE (Brian A. Miller, 2014): reseña

 

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The prince es un thriller del subgénero –y si no existe, tendría que crearse- father seeking daughter, dirigida por Brian A. Miller y protagonizada por un Jason Patric en horas bajas, un Bruce Willis en otro de sus breves papeles alimenticios y un John Cusack empeñado en aferrarse a una carrera que sigue dando tumbos sin remedio. La historia que The prince nos cuenta es la de un mecánico –un antiguo asesino que ha rehecho su vida- que, a causa de la desaparición de su hija, debe regresar a Nueva Orleans y a los violentos escenarios en los que creció para enfrentarse a Omar, un sanguinario criminal que aspira a vengarse de él.

Crítica de la película MEGAFORCE (Hal Needham, 1982): Reseña

 

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A pesar de las negativas oficiales por parte de los líderes del mundo libre, diversas fuentes confirman la existencia de la Megafuerza, un ejército fantasma de luchadores de élite cuyas armas son las más poderosas que la ciencia haya ideado jamás. Su misión es preservar la libertad y la justicia peleando contra la tiranía y la maldad en cada esquina de la Tierra. 

Crítica de la película LATIDOS DE PÁNICO (Paul Naschy, 1983): Reseña

 

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Regresó Paul Naschy para presentar otra de sus interesantes obras en las que muerte y erotismo –muy light, eso sí- se daban la mano. Y es que hoy os quisiera hablar de Latidos de pánico, cinta de 1983 escrita y dirigida por el alter ego de Jacinto Molina, uno de los más respetados realizadores del género junto con Jesús Franco o Carlos Aured. En ella, Naschy recupera al personaje de Alaric de Marnac, que aparecía en El espanto vuelve de la tumba, y nos cuenta cómo el arquitecto Paul de Marnac –descendiente del primero- deja atrás París con el fin de establecerse en una mansión de su familia con su millonaria esposa, enferma del corazón. Allí, Geneviève Marnac conocerá la historia de Alaric, quien siglos atrás asesinó a su mujer y a tres de sus hijos de cuya paternidad dudaba. Tras el suceso, enloqueció y se dedicó a prácticas de brujería y satanismo que incluían sacrificios humanos. Tales desmanes llegaron a oídos del rey, que lo hizo aprehender y condenar. Alaric fue ajusticiado, pero la leyenda cuenta que cada 100 años regresa a la mansión familiar para asesinar a la mujer que ocupe el lugar de señora de la casa.

Crítica de la película LA CONSPIRACIÓN DE NOVIEMBRE (Roger Donaldson, 2014): Reseña

 

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El título original es The november man, pero aquí se versionó con el nombre de La conspiración de noviembre. Se trata de una producción norteamericana protagonizada en sus papeles principales por el irlandés Pierce Brosnan y la ucraniana Olga Kurylenko que nos cuenta la historia de Peter Devereaux, un agente de la CIA retirado del servicio activo en Lausana después de una operación en la que se produjo una víctima infantil. Un día recibe la visita de un compañero en la Agencia que le enseña un dossier que demuestra que Arkady Federov, antiguo agente ruso que desea presentar su candidatura a la presidencia de la Federación Rusa está eliminando a los compañeros con los que se relacionó en el pasado, asesinos como él y el propio Devereaux. Natalia, una agente doble en la que Devereaux parece tener un interés personal y que ha logrado infiltrarse en el gabinete de Federov, ha pedido a la CIA que la saque de Moscú a cambio de un nombre de vital importancia para la seguridad de la Agencia. La operación acaba torciéndose de manera dramática. Sin embargo, Devereaux consigue el nombre, que corresponde a Mira Filipova, una refugiada de la guerra de Chechenia. Alice Fournier, una asistente social que trabaja en Belgrado con prostitutas, drogadictas y víctimas de abusos parece ser la única persona que tiene una relación pasada con la desaparecida Filipova y se ve envuelta en una operación en la que los rusos, la CIA y el propio Devereaux la buscan, aunque sólo este último esté interesado en mantenerla con vida con objeto de que le dé las respuestas que necesita.

Crítica de la película PERDIDA (David Fincher, 2014): Reseña

 

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Perdida (Gone Girl como título original), de David Fincher, está basada en la novela homónima de Gillian Flynn, quien, por cierto, firma también el guion. Las críticas que había leído en diversos medios coincidían en destacar positivamente la cinta y era una de las que, en su día, tarde o temprano, tenían que caer. Sin embargo, esa vez no esperé a que algún alma caritativa la pusiese a mi alcance en la red y fui a su encuentro a paso ligero hacia una multisala.

Crítica de la película LUCY (Luc Besson, 2014): Reseña

 

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Tenía ganas, en su día, de ver esta película, tanto por su director como por su protagonista femenina. Y la verdad es que el resultado fue bastante aceptable. Me estoy refiriendo a Lucy, película de ciencia ficción escrita y dirigida por el francés Luc Besson e interpretada por Scarlett Johansson y Morgan Freeman. El argumento nos cuenta cómo la joven Lucy es obligada a hacer de mula para unos narcotraficantes y adquiere superpoderes al sufrir una sobredosis accidental de la droga que portaba en su interior. A partir de entonces, su capacidad psíquica se incrementa de una manera asombrosa. A causa de ello, Lucy tendrá como objetivo contactar con un investigador del cerebro humano con el fin de transmitirle sus conocimientos. Sin embargo, los propietarios de la droga no se lo pondrán fácil.

Crítica de la película ÔGON BATTO (Hajime Satô, 1966): Reseña

 

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Así es amiguitos, inicio lo que será una especie de niponno eiga nichiyôbi con un clásico del cíne de superhéroes japonés, ni más ni menos que Ôgon batto, o El murciélago dorado, una película dirigida por Hajime Satô para Toei cuyo inicio, con los títulos de crédito a los sones de “ogonbaaaaaaaat-to” ya anuncia la clase de producto casposo nostalgico friki nippon style que vamos a disfrutar. Basada en la figura de una especie de superhombre con cabeza de calavera -¿acaso fue la inspiración para el marveliano Cráneo Rojo?- creado por Ichiro Suzuki y Takeo Nagamatsu en los años 30, Ôgon batto se estrenó en 1966 con Sonny Chiba –actor, cantante y el primer deportista de artes marciales que alcanzó el estrellato internacional en el mundo del espectáculo- al frente del reparto. El argumento nos cuenta como Akira Kazahaya, un adolescente sin familia que trabaja en una factoría de automóviles y es un estudioso amateur del firmamento, descubre alarmado que el cometa Icarus ha variado su trayectoria y se dirige hacia la Tierra. Akira se lo comunica rápidamente a los responsables del observatorio de Tokyo, pero su máximo responsable el profesor Amano no le hace ni caso. Sin embargo, el anuncio de Akira llega a oídos de unos misteriosos agentes de negro que lo secuestran y conducen hasta una ubicación secreta en los Alpes Japoneses dónde es recibido por el Dr. Yamatone, miembro del Instituto de Investigación del Dr. Pearl que en realidad es una instalación secreta de la ONU para el estudio de amenzas a nuestro planeta.

Crítica de la película MÚSICA (1972): Reseña

 

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Ongaku, traducida al español como Música, es una película, dirigida y escrita por Yasuzô Masamura recogiendo lo narrado por Yukio Mishima en su novela homónima. Comienza con una tal Reiko, quien se encuentra en la consulta de un psicólogo explicándole que no tiene hambre –al contrario, la sola idea de comer le provoca náuseas- y es incapaz de escuchar la música cuando esta suena por la radio o mientras ve la televisión. La joven había llegado a pensar que estaba embarazada –tiene relaciones desde hace un año con Ryuichi, un compañero de trabajo-, pero ya ha visitado a su ginecólogo y después de hacerle diversas pruebas, su conclusión ha sido negativa. Reiko es una chica de campo. Hace años, su familia llegó a un acuerdo con otra y le consiguió un novio mucho mayor que ella cuando solo era una niña. Ese hombre la violó, tras lo cual Reiko huyó de su pueblo y se trasladó a estudiar a Tokyo. Al licenciarse entró a trabajar en su actual empresa y nunca regresó. Ahora, Ryuichi no sabe nada de todo ello. Reiko quiere casarse con él y piensa que si se lo cuenta la abandonará. Sin embargo, el psicólogo no está seguro de si su problema está causado por la negación de ese episodio por lo que pide a Reiko que inicie tratamiento con él. Pero llegado el momento de la segunda sesión, Reiko telefonea al psicólogo y le cuenta que quiere dejarlo, que desde que habló con él le da asco incluso tocar la comida y es incapaz de comer sin vomitarlo todo. Sin embargo, este la convence diciéndole que estaría muy contento de volverla a ver. Cuando se encuentran, Reiko le confiesa que le mintió y que lo que en realidad le ocurre es que sufre de ausencia de deseo sexual, algo que está poniendo en peligro su relación con Ryuichi, de quien afirma estar profundamente enamorada. Así pues, suplica al psicólogo que la cure.

Crítica de la película EL EXTRAÑO COLOR DE LAS LÁGRIMAS DE TU CUERPO (Hélène Cattet, Bruno Forzani, 2013): Reseña

 

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Su título original es L’etrange couleur des larmes de ton corps, una extraña, laberíntica y enrevesada coproducción franco-belga con tintes de thriller psicológico que nos cuenta la angustiosa búsqueda de la desaparecida Edwige por parte de su esposo, Dan Kristensen. Este –al regresar a Bruselas de un viaje de negocios en Frankfurt- se encuentra con que su apartamento está cerrado por dentro, pero su mujer no está allí. El pobre tipo tendrá que dar con ella sin que la policía ni sus vecinos –excepto una misteriosa anciana que afirma que su marido desapareció también después de hacer un agujero en el techo- le tomen en serio. Para ello tendrá que arriesgarse a perder la vida, la cordura o ambas cosas en su camino hacia el secreto que se esconde tras las paredes del viejo –aunque extraordinariamente bello- edificio de apartamentos. 

Crítica de la película LA MADRE MUERTA (Juanma Bajo Ulloa, 1993): Reseña

 

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Maravillado por la historia, la puesta en imágenes y las interpretaciones de sus protagonistas, os presento hoy a La madre muerta, estupendo segundo largometraje del director gasteiztarra Juanma Bajo Ulloa. Con fantástica fotografía del multipremiado Javier Aguirresarobe –quizás el eibarrés más internacional, con permiso de Ignacio Zuloaga- y una conmovedora música de Bingen Mendizábal, la historia –escrita por el mismo realizador- nos cuenta como Ismael, un criminal psicópata, asesina a una mujer ante los ojos de Leire, su hija de corta edad en el curso de un robo nocturno en casa de aquella. Años después, Ismael -que vive junto a Maite, su compañera emocionalmente dependiente- se encuentra casualmente con aquella niña convertida ya en adolescente. Al parecer, quedó tan traumatizada por el violento incidente que en la actualidad vive recluida en una institución para discapacitados mentales. A partir de ese momento, Ismael se obsesiona de tal manera con que Leire pueda reconocerle que decide secuestrarla para acabar con ella. Sin embargo, la llegada de la joven al hogar de la pareja dará pie al inicio de una enfermiza relación a tres bandas en la que amor, celos y miedo trastocará por completo la vida de los protagonistas.

Crítica de la película THE YAKUZA WIVES (Hideo Gosha, 1986): Reseña

 

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Estupenda esta The yakuza wives, una película dirigida por Hideo Gosha que nos regala un retrato oscuro, crudo, casi desprovisto de violencia, en el que –pese a todo- muestra perfectamente los entresijos del implacable código yakuza y de la felonía que toda lucha por el poder lleva implícita. El acierto de la cinta –que en su momento se convirtió en todo un éxito de crítica y espectadores en su país- es que asistimos a la acción de la mano de una mujer jefa de clan, exponente del mito de la Onna-oyabun, algo así como la versión femenina de la figura del padrino mafioso. Así, The yakuza wives nos cuenta la historia de Tamaki, la esposa del jefe del clan Awazu, quien ha formado el club de las Prison Wives, mujeres que cada cierto tiempo se reúnen para bailar, cantar, beber y divertirse para olvidar por unas horas que sus maridos están cumpliendo condena. En una de esas fiestas, Tamaki –que se ha convertido en una jefa que controla con mano firme la organización de su esposo- y sus amigas reciben la visita de la esposa del jefe supremo del grupo Domoto, clan yakuza con tentáculos que abarcan toda la región de Kansai. La mujer les transmite palabras de aliento de parte de su marido, que sabe que es duro para ellas seguir con su día a día pero que deben tener claro que un hombre no es nada sin el apoyo de su esposa. En ese –como en otros aspectos-, tal código de comportamiento no difiere demasiado al que la mafia norteamericana siguió durante años. Mientras, Makoto –la hermana menor de Tamaki, que vive con su padre enfermo- trabaja como camarera en un club de alterne y está agobiada por las deudas. Desaprobando el modo de vida de su hermana, en un principio rechaza su ayuda pero finalmente acepta el regalo de un anillo y de unas vacaciones en Guam mientras su hermana mayor se ocupa de prepararle una cita con un joven pretendiente al que no conoce.

Crítica de la película EL CAZADOR (The Rover) (David Michôd, 2014): Reseña

 

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El cazador (The Rover), es unaa cinta del australiano David Michod que siguió a la estupenda Animal kingdom –que también os recomendé aquí- que cuenta también con Guy Pearce como protagonista. Junto a él, un joven Robert Pattinson intentando dejar atrás su pasado vampírico. En The Rover (título original) se nos cuenta la historia de Eric, un tipo cetrino y amargado que sobrevive en un mundo destruido por la nueva amenaza de nuestros días, aparcado aunque no olvidado el apocalipsis nuclear: el colapso económico. En pleno desierto australiano, unos delincuentes le roban el coche y Eric no duda en ir tras ellos. El coche –un Holden Commodore si no voy errado- es lo único que le queda, lo único por lo que luchar en un mundo en el que reina la apatía y la falta de esperanza. En su persecución accidentada será ayudado por Ray, uno de los miembros de la banda –el más estúpido al parecer-, que quiere vengarse de ellos por haberle dejado malherido y abandonado a su suerte.

Crítica de la película HARD TICKET TO HAWAII (Andy Sidaris, 1987): Reseña

 

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Regresamos con Andy Sidaris y otra de sus, estoooo... interesantes películas de la serie Triple B. En concreto dedico esta reseña de hoy a Hard ticket to Hawaii. Cinta de 1987 ubicada cronológicamente entre Malibú express –la primera de la serie- y Picasso trigger, supuso la base de todas cuantas vendrían detrás con esa particular mezcla de acción y erotismo con la que Sidaris dotó a sus películas, llenas de modelos de Playboy y Penthouse que mostraban sus atributos sin pudor, pero siendo protagonistas de la trama interpretando a mujeres fuertes y valientes en lugar de personajes de reparto con fines meramente decorativos. Y al igual que Russ Meyer con su esposa Eve y Jesús Franco con su compañera Lina, Andy alcanzó la fama junto a su mujer Arlene, productora de todas sus películas. Por eso en este blog los tres realizadores mencionados gozan de un espacio propio. En esta Hard ticket to Hawaii, repite Dona Speir como la agente especial Donna Hamilton, miembro de una agencia gubernamental secreta que bajo la tapadera de la empresa de transporte aéreo Molokai Cargo, se dedica junto a sus compañera a combatir el crimen internacional.

Crítica de la película MONTAGE (Jeong Geun-seop, 2013): Reseña

 

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Es esta una cinta surcoreana, una cinematografía a la que he dedicado bastantes reseñas y que –junto con la nipona- supone el grueso de las entradas sobre cine asiático de mi blog. Montage, que es como se titula, es un thriller escrito y dirigido por Jeong Geun-seop protagonizado en los papeles principales por Kim Sang-kyung y la cantante Uhm Jung-hwa. El argumento nos cuenta cómo en 1998, un secuestrador se llevó a la hija de Ha-kyeong. A resultas de ello, la niña falleció y el secuestrador desapareció. Quince años después, a pocos días de que el delito prescriba, aparece una flor en el lugar del crimen. Cheong-ho, el detective que llevó la investigación en su día, continúa obsesionado por el caso y a punto está de aprehender a un individuo sospechoso. Sin embargo, acaba perdiéndole la pista, lo que provoca su salida del cuerpo de policía. Poco después tiene lugar un nuevo secuestro que sigue el mismo modus operandi que el que años atrás le marcó y Cheong-ho inicia una investigación por su cuenta.

Crítica de la película EN LAS AFUERAS DE LA CIUDAD (Patricio Valladares, 2012): Reseña

 

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En las afueras de la ciudad es película chilena de 2013 dirigida por Patricio Valladares de la que el mismo realizador estrenó un remake en Hollywood un año más tarde. Protagonizada por Daniel Antivilo, Siboney Lo y Carolina Escobar, la historia que la cinta nos cuenta es la de Ana y Anny, dos hermanas que han crecido aisladas en una casa perdida en medio del campo en las afueras de una gran ciudad junto a su padre alcohólico, asesino y abusador y Manuel –algo que no aparece en las sinopsis publicadas-, un fruto de su relación incestuosa al que años atrás este fue incapaz de matar y que tiene metido en un cobertizo como si de una alimaña se tratase. Sin embargo, cuando el degenerado viola a la pequeña, la hija mayor decide denunciarle. Pero, al aparecer, los policías, Felipe –que así se llama el tipo- mata a a los agentes. Entonces pide ayuda al narcotraficante al que le guarda la droga y este le da dinero para que desaparezca por una temporada. Claro, que el tal Felipe es un elemento de cuidado y no tarda en asesinar a un inocente y dar con sus huesos en prisión. Las chicas y el asalvajado Manuel se quedan solos por lo que Ana decide abandonar la casa y dirigirse a una cabaña en las montañas, un lugar rodeado de bosque que años antes le había mostrado su padre y que utilizaba como almacén de la droga que custodiaba.

Crítica de la película MALIBÚ CONNECTION (Andy Sidaris, 1987): Reseña

 

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Andy Sidaris regresa a este blog con otra de sus, estoooo... interesantes películas de la serie Triple B. En concreto dedico esta reseña de hoy a Hard Ticket to Hawaii (Malibú Connection en España). Cinta de 1987 ubicada cronológicamente entre Malibú express –la primera de la serie- y Picasso Trigger, supuso la base de todas cuantas vendrían detrás con esa particular mezcla de acción y erotismo con la que Sidaris dotó a sus películas, llenas de modelos de Playboy y Penthouse que mostraban sus atributos sin pudor, pero siendo protagonistas de la trama interpretando a mujeres fuertes y valientes en lugar de personajes de reparto con fines meramente decorativos. Y al igual que Russ Meyer con su esposa Eve y Jesús Franco con su compañera Lina, Andy alcanzó la fama junto a su mujer Arlene, productora de todas sus películas. Por eso en este blog los tres realizadores mencionados gozan de un espacio propio. En esta Hard ticket to Hawaii, repite Dona Speir como la agente especial Donna Hamilton, miembro de una agencia gubernamental secreta que bajo la tapadera de la empresa de transporte aéreo Molokai Cargo, se dedica junto a sus compañera a combatir el crimen internacional.

CRÍTICA de la película AL FILO DE LA MAÑANA (Doug Liman, 2014): Reseña

 

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Edge of tomorrow (Al filo de la mañana en versión española) es una película de ciencia ficción basada en un manga japonés, que nos llega de la mano de Doug Liman – realizador de El caso Bourne, Jumper o Caza a la espía entre otras- con pareja protagonista formada por Tom Cruise y una Emily Blunt que, después de su participación en Looper, parece que se hubiese especializado en historias con bucles espacio temporales. Lo que el argumento nos cuenta es como después de que una fuerza alienígena invada nuestro planeta, la comandancia militar en Londres encarga al Mayor Cage, un oficial norteamericano que nunca ha entrado en combate, que participe en una misión similar a la que tuvo lugar en Normandía en plena II Guerra Mundial, pero a lo bestia. Por supuesto, Cage perece a los pocos minutos de iniciar el combate... pero descubre que ha entrado en un bucle temporal que le permitirá –con la ayuda de Rita Vrataski, una heroína a la que también le había ocurrido lo mismo tiempo atrás- morir una y otra vez, adquiriendo así experiencia y conocimientos que le lleven ante la fuente del poder extraterrestre con el fin de acabar con ella.

Crítica de la película JACK RYAN: OPERACIÓN SOMBRA (Kenneth Branagh, 2014): Reseña

 

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Jack Ryan: Operación Sombra supuso la quinta entrega cinematográfica de las aventuras del personaje creado por el desaparecido Tom Clancy y –según se hizo patente- capítulo inicial de una nueva saga alumbrada por ese nuevo Hollywood, tan dado a proveer de antiguas ideas nuestras pantallas comerciales (léase remake de Godzilla, entregas varias de Transformers, orígenes de planetas simiescos o filón del universo Marvel). Total, que tras ponerse en la piel del agente Jack Ryan nombres tan dispares como Alec Baldwin, Ben Affleck o –el más recordado- Harrison Ford, se encarga ahora de darle vida el joven Chris Pine en una historia típica y maniquea –de esas que tanto nos gustan y a las que el fin de la Guerra Fría dio carpetazo hasta que todo el mundo ha asumido de nuevo que el agua y el aceite nunca podrán unirse- dirigida bastante aceptablemente por el gran Sir Kenneth C. Branagh.

CRÍTICA de la película JUDEX (Georges Franju, 1963): Reseña

 

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He aquí una estupenda película titulada Judex, de Georges Franju. Estrenada en 1963, fue un encargo de Jacques Champreux a su idolatrado Franju para llevar a la pantalla de nuevo al personaje de Judex, creado por el abuelo del primero –el realizador Louis Feuillade- y Arthur Bernède. Al parecer, en un principio Franju no estuvo mucho por la labor. Admirador de Feuillade – director de cine autor de numerosos largometrajes folletinescos que también había llevado a la pantalla en varias ocasiones a Fantômas-, estaba mucho más interesado en la revisión de dicho personaje creado por Marcel Allain y Pierre Souvestre que en el poco atractivo Judex. Sin embargo, la unión de la historia del personaje original con la visión de Franju y Marcel Fradetal –su habitual director de fotografía- dieron como resultado una más que notable película que, si bien no será recordada como la mejor de la filmografía del francés, contiene varios elementos que la hacen mítica e inolvidable.