JOURNEY - Evolution (1979): CRÍTICA Review

 

por Rockología (@RockologiaTwit)

del blog Rockologia

Journey viajó en cohete desde aquel Next hasta este quinto álbum Evolution: consiguió su mayor éxito hasta el momento despachando tres millones de copias en Estados Unidos y poniendo su primer single en el top 20. Pero este viaje no salió gratis. En este tránsito ayudó, además del dinero de la multinacional, el fichaje definitorio de Steve Perry a la voz y de Roy Thomas Baker a la producción. El álbum intermedio, Infinity, con toneladas de overdubs y efectos, puso el primer ladrillo de su palacio de oro, y para este disco intentaron repetir experiencia. 

FIGGIE - Genoeg Houvast (2009): Crítica review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Mirad qué vinilo os traigo hoy y en un idioma poco común: neerlandés o dutch, como dicen ellos. ¿Por qué está en mi colección un disco de una banda de skater y surf rock indie de habla holandesa? Pues porque un día de estos en los que hay que ir a un centro comercial, pero te puedes escabullir un rato a tu bola y terminas curioseando en la pequeña zona de vinilos de una conocida tienda, descubrí un cajón con ofertas al 75% y la portada de este disco me llamó la atención. Hice una búsqueda en la plataforma musical que todos conocemos y las dos canciones que escuché, me gustaron…luego resulta que eran las dos mejores y que más se acercan a mis gustos y que el resto eran demasiado “indie”. Bueno, ya os estoy adelantando que este trabajo no va a pasar a estar entre lo más pinchado de mis discos y, casi con toda seguridad, entre los vuestros. De todas formas, no me voy a escudar en ello para justificar la poca extensión (teniendo en cuenta mi historial) de esta entrada: la verdad verdadera es que estoy extremadamente vago, pero no puedo dejar pasar tanto tiempo entre colaboración y colaboración. Así que... vamos allá.

CHRIS CACAVAS y JUNK YARD LOVE - Pale Blonde Hell (1994): Unos apuntes

 

The Hunter

Quiero presentarles un hermoso álbum del, hasta entonces desconocido (al menos para mí), Chris Cacavas, un músico de Los Ángeles que había estado activo desde los años ochenta, habiendo participado como tecladista en la banda Red & Green. Tras dejar el grupo, se embarcó en una carrera en solitario con su banda Junk Yard Love, esta vez al mando de la guitarra y la voz, sorprendiendo a todos con su voz melancólica y gran intimidad con el nuevo instrumento.

CORROSION OF CONFORMITY - Good god / Baad man (2026): CRÍTICA Review

 

Por Esteban Martínez (@EMartineC)

del blog Benditos Discos

La publicación del sólido No cross no crown (2018) supuso un retorno en gloria y majestad para Pepper Keenan, quien regresaba a Corrosion of conformity tras más de una década de ausencia, pero las cosas se pusieron complicadas para la agrupación en años posteriores. Primero llegó la muerte del baterista Red Mullin en 2020 y luego el alejamiento de Mike Dean (bajista), ambas situaciones que evidentemente mermaron el presente de los estadounidenses por lo que había que ver por donde decidían avanzar, ahora solamente con dos miembros históricos al frente. La pensaron bastante, eso está claro, sin embargo, lo que nos han entregado en estos sesenta y seis minutos de música deja la sensación de que ha valido la pena esperar: Good god / Baad man es ante todo un álbum compuesto con el corazón y que da muestras de todo el compromiso que la banda sigue mostrando por ese sonido que ayudaron a construir décadas atrás y del que hoy siguen siendo enormes exponentes.

JOHN MAYALL - The Turning Point (1969): CRÍTICA Review

por Rockología (@RockologiaTwit)

del blog Rockologia

La cantidad de  seis discos de blues eléctrico había editado John Mayall desde su iniciático y mítico Blues Breakers with Eric Clapton (1966) en apenas tres años. Además de Eric Clapton, Peter Green y Mick Taylor habían sido sus guitarristas. Una barbaridad. No es exagerado, pues, decir que Mayall y sus compañeros habían definido y desarrollado buena parte de lo que fue el renacer del blues eléctrico, aupado, además, por el éxito y la creación de estos tres monstruos (Cream, Blind Faith, Fleetwood Mac, The Rolling Stones). Quizá cansado de su propia obra, quizá simplemente por ser un culo caliente, Mayall decidió dar un giro a su carrera y comenzar un nuevo viaje en el Universo Blues. Eliminó las guitarras ruidosas y la batería y formó una nueva banda huyendo de los volúmenes ruidosos, la distorsión y los estándares "modernos", acercándose al jazz y al blues acústico. De esta experiencia, surge The turning point; literalmente significa "el punto de inflexión", y vaya si lo fue para John Mayall. Los siguientes años ahondó su obra en este sentimiento, fluyendo cada vez más hacia el folk y el jazz (formó la Jazz Blues Fussion).

MÖTLEY CRÜE - Girls, Girls, Girls (1987): CRÍTICA Review

 

by King Piltrafilla (@KingPiltrafilla)

del blog ¿Y tú quién te crees que eres, Piltrafilla?

En el momento en que una banda tiene a sus miembros sumidos en el abismo de las drogas y el alcohol, solo enormes cantidades de talento pueden alejarla del fracaso y la desaparición. Y no nos engañemos, amo a los Crüe, pero no son precisamente Lennon, McCartney, Jagger o Richards. Claro que a veces, con menos talento aunque con dinero y suerte –y creedme, estos tipos no tenían una flor en el culo, tenían un pomo entero– al menos se puede conseguir el tiempo suficiente para salir del pozo.

RAGE AGAINST THE MACHINE - The Battle of Los Angeles (1999): Unos apuntes

 

The Hunter

Viajemos con Rage Against the Machine a 1999. El álbum  se titulaba  The Battle of Los Angeles y supuso su tercer álbum de estudio. Se lanzó casi tres años después del legendario Evil Empire. Y como siempre, otro golpe sensacional de estos activistas sin pelos en la lengua. Esta vez hacen muchas referencias a la novela de George Orwell, cuyo lema es: "Quien controla el pasado controla el futuro. Quien controla el presente controla el pasado". El tema 'Testify' también recuerda el episodio de 1968 en el que el atleta africano Tommie Smith, entonces medallista de oro, levantó el puño en señal de protesta, convirtiendo ese gesto en un hito de la disidencia en los Juegos Olímpicos modernos.

ARCHSPIRE - Too Fast to Die (2026): CRÍTICA Review

 

Por Esteban Martínez (@EMartineC)

del blog Benditos Discos

Se publican discos de los que cuesta un mundo poder escribir mientras que otros resultan muy fáciles de analizar, y el último de Archspire se enmarca entre los segundos. No porque sea un mal álbum, muy por el contrario, Too fast to die luce como una nueva entrega salvaje por parte de unos canadienses que dominan a placer lo que hacen, salvando incluso sin problema alguno la partida de una pieza clave en su engranaje, como fue el baterista Spencer Prewett, quien abandonó el proyecto en 2025. El caso es que en estos cuarenta minutos de música volvemos a encontrar ese metal veloz, desaforado y tremendamente técnico marcado por la extrema velocidad y los trabalenguas imposibles de Oliver Rae Aleron. Por tanto, todos los condimentos que le han entregado prestigio a Archspire están presentes en estas ocho canciones, sin embargo, dicho lo anterior: el disco carece de sorpresa y más bien funciona como una mera continuidad obvia de sus antecesores.

PARCHÍS Y SUS AMIGOS - 25 grandes éxitos (1981): CRÍTICA Review

 

por Rockología (@RockologiaTwit)

del blog Rockologia

El grupo Parchís era la banda de oro, clásico entre los clásico a principios de los 80. Desde su aparición en 1979 hasta, más o menos, 1983, se comieron el mercado audiovisual, fabricando mucho dinero con sus discos, giras y películas. En su época gloriosa, estaban formados por Tino (ficha roja), Yolanda (ficha amarilla), Gemma (ficha verde), David (el dado, vestía de blanco) y Óscar (el benjamín, ficha azul, quien abandonó el barco poco después). La compañía Belter lanzó este doble vinilo ya en plena cresta de la ola: el primero lo ocupa entero Parchís, con diez canciones y un medley; el segundo, varias de sus estrellas mediáticas, protagonistas, además, de algunos espacios televisivos de la época.

FALCO - Emotional (1986): CRÍTICA Review

 

por Dani Matute (@dmatuteb)

Merece la pena hablar de este tipo, y, fijaos, quizás no por este trabajo en concreto. Es más, posiblemente, este Emotinal marcó el inicio de la decadencia en su carrera. Voy a intentar, en cualquier caso, no ser excesivamente crítico con él. Vayamos al lío.

LIGHTNIN' HOPKINS - Last Night Blues (1960): Unas impresiones

 

The Hunter

El gran trovador del blues, Lightnin' Hopkins, llenaba la mesa de mezclas con su talento surrealista. Fue uno de los grandes nombres del llamado Country Blues, y su historia se entrelaza con el nacimiento del negro blues en las plantaciones de blanco algodón. Inspiración para la mayoría de los grandes nombres del género, y a pesar de su limitada formación académica, su estilo desconcierta a los profesores de música de cualquier universidad del mundo.

HELLRIPPER - Coronach (2026): CRÍTICA Review

 

Por Esteban Martínez (@EMartineC)

del blog Benditos Discos

Tienen varios discos a sus espaldas y no deja de impresionar lo que James McBain ha logrado hacer con este, su proyecto (el tipo es un multi instrumentista). En Coronach lo volvemos a oír desarrollando ese metal aceleradísimo y afilado, constantes cabalgatas donde el foco está puesto en los aspectos melódicos que se desarrollan en velocidad. Dicho en simple, el escocés ha sabido plasmar en su sonido aquello que evidentemente más ama, incorporando elementos clásicos del thrash, solos de guitarra que huelen a heavy metal, vocalizaciones que le acercan al black o la vibra de Motörhead, pero trayendo todo eso al presente pues, ante todo, Hellripper suena como un proyecto moderno y no a la enésima emulación de viejas glorias ochenteras.

EXTREMODURO - ¿Dónde están mis amigos? (1993): CRÍTICA Review

 

por Rockología (@RockologiaTwit)

del blog Rockologia

Se había convertido Roberto Iniesta en un personaje reconocido en cualquier lugar del país. Cantante guitarrista, compositor, alma de este grupo, Robe, o "el Robe" (todos le llamábamos casi como si le conociéramos) consiguió lo que muy pocos músicos alcanzan en el rock de aquí: vivir de su música. Y bienvivir, ese del que puede permitirse no girar, no grabar; o hacer lo que le de la gana sin fechas y sin tener que cumplir con las expectativas de una compañía musical. Y lo logró siendo fiel a su estilo, evolucionando a través de los años con un pie en la sucia poesía de su Extremadura natal y el otro en los arreglos y las composiciones cada vez más refinadas. Supongo que el Robe posterior no hubiera existido sin un disco como Agila (1996) y el éxito que alcanzó.

JUDAS PRIEST - Defenders of the Faith (1984): CRÍTICA Review

 

by King Piltrafilla (@KingPiltrafilla)

del blog ¿Y tú quién te crees que eres, Piltrafilla?

En el verano de 2022 estuve por primera vez en el Rockfest Barcelona. De hecho, era la primera vez que regresaba a un concierto desde la gira de David Lee Roth del Skyscraper. Me lo había tomado con calma esos años, en efecto. Pero es que en esta ocasión actuaban Doro, Megadeth, los KISS en su gira de despedida, Phil Campbell con un set enteramente de Motörhead –a última hora los Saxon cayeron del cartel desgraciadamente– y unos pletóricos Judas Priest en el ocaso de su carrera, a los que ya tuve la suerte de ver en su gira del Turbo. Uno de los momentos más emotivos del día fue la esperada aparición del gran Glenn Tipton junto a sus compañeros en el escenario. Ha sido el mejor guitarrista que han tenido los Priest, con permiso del hiperactivo y más que solvente Richie Faulkner que se lo curra a lo bestia en cada concierto.

THE PUPPINI SISTERS - Betcha Bottom Dollar (2006): Crítica Review

 

The Hunter

The Puppini Sisters son un trío vanguardista londinense que evoca la cultura de las primeras décadas del siglo pasado; tanto su vestuario como sus videoclips mantienen la misma línea estilística de la época. Inspirada por las famosas Andrews Sisters, la italiana Marcela Puppini fundó el grupo en 2004, que también incluye a Kate Mullins y Stephanie O'Brian. Betcha Bottom Dollar, su álbum debut de 2006, es una invitación al pasado, impregnado de jazz. Siente la nostalgia de los años treinta y cuarenta como si una película en blanco y negro se proyectara en tu mente mientras escuchas este divertido álbum que incluye varios clásicos de aquella época.

RADIO MOSCOW - Brain Cycles (2009): Crítica review

 

The Hunter

Con el regreso a la era de la amplificación eléctrica, los riffs demoledores y el virtuosismo exagerado, habalmos de Radio Moscow y su segundo álbum, Brain Cycles (2009). Comparado con su álbum anterior, que era pura psicodelia cruda al más puro estilo de la Costa Oeste, este quiso ser, más comercial en el sentido de llegar a un público diferente —aficionados al blues-rock-psicodelia—, con letras más relevantes y una menor dosis de virtuosismo, resulta impactante y demuestra que Radio Moscow ha sido una de las bandas más interesantes hasta 2017, en que publicaron su último disco, capaz de ofrecer resultados aún mejores. ¡Un álbum espectacular que os aconsejo desde aquí en este breve apunte!

FOO FIGHTERS - Your Favorite Toy (2026): CRÍTICA Review

 

Por Esteban Martínez (@EMartineC)

del blog Benditos Discos

En el momento en que Dave Grohl anunció a fines de 2024 que Foo fighters se tomarían un descanso, muchos pensamos que esta era una buena (y sana) decisión, principalmente debido al desgaste creativo que la banda venía mostrando desde hace largos quince años. En definitiva: más allá de ciertos golazos incontestables (quedan 'Bridge burning' o 'Run' como pruebas de fuego), prácticamente todo lo que la agrupación ha publicado desde 2010 en adelante ha rondado la monotonía entre álbumes tan olvidables y fallidos como Sonic highways (2014) o Medicine at midnight (2019), siendo el más reciente Here we are (2023) la única gran excepción a la regla, un sólido conjunto que les mostró particularmente inspirados. Era de esperar, sin embargo, que en una siguiente entrega la banda tirara por lo obvio, que es lo que encontramos en Your favorite toy, diez canciones que en ningún caso son un desastre, pero sí se conforman con emular los inicios de Foo fighters, evidentemente sin la magia melódica que ostentaron treinta años atrás.

Reseña del STILL GOT DE BLUES (1990) de Gary Moore

 

por Rockología (@RockologiaTwit)

del blog Rockologia

Tengo que decir, para empezar, que este disco marcó, para mí, un cambio, casi un susto. De ser una referencia en mis escuchas hard roqueras a aparecer con este rollo blues rock hubo un salto sonoro y anímico para el que no estaba avisado. Y eso que el bueno de Gary Moore se había encargado de soltar en cada entrevista que su rollo era otro y que su pasión por el blues había esperado demasiado tiempo. Avisado: aquí está. Había sido una década sudorosa para el guitarrista con miles de conciertos, grabaciones diversas y cierto éxito a ambos lados del Atlántico, el suficiente, al menos, para convertirse en un bien pagado del rollo guitarrero, lo suficiente para tener un buen contrato. Y Mr. Moore hizo el doble mortal con tirabuzón: se apartó del confortable paseo de escenarios y festivales roqueros y se metió de lleno en el turbio y complejo mundo del blues. Eso sí, apadrinado por dos monstruos como Albert Collins y Albert King. Al menos se tiró con paracaídas. Siguió, además, el guion de todo buen disco de blues de la época: mezcla canciones propias con versiones de clásicos, si puede ser conocidos. Compuso cinco temas y escogió cuatro para reinventar a su propio estilo. Además, no olvides un par de baladas sentidas, con mucho dolor. Y las clavó. Y la sección de viento, por favor, aquí está. Y una orquesta ya sería la bomba, pues la metemos también. ¿Olvidamos algo? Llamemos a unos amigos. Los nombrados Albert Collins y Albert King ponen sus guitarras al servicio de Gary; también aparece Don Airey con el Hammond y los teclados y ayuda a arreglar las canciones (la orquesta y los vientos); y se juntan unos viejos amigos, el gran Bob Daisley al bajo (Ozzy, Uriah Heep), Brian Downey (Thin Lizzy)  a la batería y Andy Pyle al bajo (Savoy Brown, The Kinks, Rod Stewart). ¿Qué puede salir mal?

SIX FEET UNDER - Next to Die (2026): CRÍTICA Review

 

Por Esteban Martínez (@EMartineC)

del blog Benditos Discos

Después de un espantoso paso por Torment (2017) + el terrible Nightmare of the decomposed (2020), con seguridad el peor disco que habremos oído en toda esta década, el trauma con Six feet under fue profundo. De pronto Chris Barnes se convirtió en un meme dentro de la escena metalera, un personaje imposible de tomar en serio y del que lamentablemente comenzamos a esperar lo peor. En ese contexto fue que recibimos el anterior Killing for revenge (2024) y este nuevo Next to die (2026), con el morbo de verificar si lograba remontar vuelo o más bien confirmaba el pésimo momento creativo. Para peor, Barnes ha perdido el pudor, el vocalista se niega al retiro (o al menos a la pausa) e insiste en mantenerse publicando este tipo de álbumes cada dos años, discos que dan muestras de un evidente agotamiento de ideas donde lo único que queda por "celebrar" es que el tipo ha dejado de exponerse vocalmente como si hizo en los nefastos trabajos mencionados al inicio de este párrafo.

DIO - Killing the Dragon (2002): CRÍTICA Review

 

por Rockología (@RockologiaTwit)

del blog Rockologia

He aquí un disco de heavy con todo lo que tiene que haber: enormes guitarras, una base rítmica potente, un cantante en forma con algunos momentos brillantes y letras sugerentes. Pero ocurre que cuando uno alcanza la gloria se le juzga respecto a eso. Y vaya gloria consiguió el imprescindible Ronnie James Dio: a finales de los setenta con Rainbow, después entrando en los ochenta con Black Sabbath y ya avanzando la década con su propio nombre, Dio. Y si no escalas otra vez el Everest, el Mont Blanc o el Aconcagua parecen una broma, que para eso no vengas, chaval. Y este Killing the dragon está por encima de muchos discos de heavy de la época y me atrevería a decir que se acerca a los clásicos de este hombre con mucha dignidad.